Annie Roses

Trembling Blue Stars Beth Arzy Interview

2012-01-17T09:46:00.010+01:00

Intervista di Monica Mazzoli

Poche certezze costellano l'esistenza, le persone cambiano, crescono, i sentimenti si attenuano o rinforzano con il trascorrere del tempo. Però c'è qualcosa che non cambia o quantomeno sembra non cambiare mai... la passione, irrazionale e tentatrice.

E’ un piacere avere l’opportunità di intervistare Beth Arzy. Gli anni passano, ma la voglia di mettersi in gioco e di lasciarsi trasportare da nuove passioni, no. Gli estimatori di certo pop dalle forti venature malinconiche ricorderanno bene il suo passato nei Trembling Blue Stars e negli Aberdeen. Da qualche mese Beth Arzy si è cimentata in una nuova avventura, è entrata a far parte come additional vocalist dei Charlie Big Time, una giovane pop band di Bolton, Uk.

Beth, come ti trovi in questa nuova esperienza? E’ un po’ come ritornare indietro nel tempo e lavorare con una band emergente.

Beh, non c'è stato propriamente un break. Io e Bobby, a Settembre 2010, abbiamo registrato l'ultimo Ep dei TBS, pubblicato nel Maggio 2011. Volevamo fare le cose a modo nostro- Elefant Records ci ha cortesemente supportati in questo-, includendo anche una cover di una canzone degli Wire ed un acusmatico remix di Robert Hampson, vero e proprio eroe musicale per me e Bobby. La copertina è di uno dei miei artisti del suono preferiti, Runar Magnusson, questa volta eravamo realmente in grado di fare le cose a modo nostro mettendo i TBS in primo piano. Durante Maggio/Giugno dello scorso anno, sono stata in California per alcuni spettacoli e registrazioni con la mia vecchia band Aberdeen, che mi aspetto nonvedranno mai la luce. Tutto quello che posso dire a riguardo è che "non si può mai tornare a casa". Con i Charlie Big Time ho praticamente forzato la mia strada nella band. Mi hanno inviato una canzone da ascoltare e suonava così naturale ed old school, un pò come The Housemarstins o i Crowded House... musica direttamente dal cuore, non influenzata dall'indie schmindie ed intrisa della piovosa Inghilterra del Nord. Ci sono stata un paio di mesi fa, per registrare dei cori. Sono dei ragazzi davvero adorabili e modesti. Abbiamo registrato per circa tre ore nella stanza degli ospiti della casa di Matthew, ed altre sei ore nei pub locali. Un totale approccio alla musica, senza pressioni alcune. Adorano comporre e scrivere ottime canzoni, senza la necessità di appartenere ad una qualsiasi scena. Pur essendo in giro da parecchio tempo, non sono di certo una band emergente, si dimostrano molto rilassati, cosa che io amo. Nessuno m'ha costretta a fare qualcosa e questo m'ha messa completamente a mio agio.

Niente dura per sempre. La vita è come un libro, è bello sfogliare le pagine, immedesimarsi nelle varie avventure, per poi giungere alla fine. E’ cominciare un nuovo libro. Ogni tanto però è bello riguardare le vecchie foto e ricordare i momenti più belli dei tempi che furono, senza per questob essere nostalgici. Beth, ti andrebbe di raccontarci gli attimi più belli vissuti con i Trembling Blue Stars?

Il tempo trascorso con i TBS è stato brillante e difficilmente troverai tre tizi più piacevoli di Bobby, Keris e Jonathan. Credo che Jonathan fosse l'unico a non odiare i tour o il suonare dal vivo, ed è sempre stato disponibile per qualsiasi cosa. Il resto di noi sembrava piuttosto infelice d'essere coinvolto in concerti. Era più divertente passare del tempo con loro, piuttosto che fare cose da band! La registrazione non è stata proprio una "cosa da band", infatti ognuno di noi ha registrato le proprie parti in tempi diversi. Partecipare alla sessione di Mark Radcliffe è stato molto divertente, lo è stato anche suonare a Berlino, beh, non tanto il suonare, ma l'essere a Berlino, quando Jono s'è perso, o in Spagna, quando Bobby cadde in mare. L'Elefant Records s'è sempre dimostrata accogliente ed essere andati in Spagna con loro è stato molto piacevole, pur dovendo suonare ai concerti e stare svegli fino a tardi. Lì, tutto accade veramente tardi e, proprio quando saremmo dovuti avanti, eravamo già tutti pronti in pigiama, salvo per Jono . Ho un vago ricordo di me, in Spagna, mentre tornavo a piedi al nostro hotel. Erano circa le 4:00 del mattino, avevo gli occhi annebbiati, ed una sconosciuta ragazza spagnola chiacchierava con me tenendomi per mano. Quelli si che erano bei tempi.

Prima di salutarci, mi piacerebbe farti un ultima domanda, che ho sempre desiderato farti, quando canti a cosa pensi, cioè mi spiego, nella tua mente si creano un flusso di immagini o ti concentri esclusivamente sulla melodia.

Io non sono una cantante tradizionale, così penso di solito "non scazzare, non scazzare, ricorda e le parole" . Non sono mai rilassata abbastanza per pensare alla melodia od a immagini. Se io sto cantando una canzone triste, a volte cerco di pensare a qualcosa di triste- come Bruno Schleinstein- attore, pittore e musicista tedesco ndr. - ma i trucchi dei cantanti non funzionano con me perché io non sono realmente una cantante

Ten Songs To...

2012-01-04T12:58:00.004+01:00

Feist/ Anti-Pioneer

Feist/ The Bad in Each Other

Feist/ Caught a Long Wind

Feist/ Get It Wrong Get It Right

Feist/ A Commotion

Feist/ The Circle Married the Line

PJ Harvey/ Let England Shake

PJ Harvey/ The Colour of Heart

Bon Iver/ Calgary

Bon Iver/ Perth

Playlist Tendenziale Gennaio

2012-01-04T00:26:00.009+01:00

AA.VV/ Dark Was the Night

Beirut/ Gulag Orkestar
Bill Evans Trio/ Waltz for Debby

Bon Iver/ Bon Iver
Breathless/ Chasing Promises
Destroyer/ Kaputt

Feist/ Metal

PJ Harvey/ Let England Shake

Trembling Blue Stars/ The Last Holy Writer

Wild Beast/ Two Dancers

Insidious - Regia: James Wan

2011-12-27T21:45:00.001+01:00

Interpreti: Leigh Whannell, Barbara Hershey, Lin Shaye, Patrick Wilson, Rose Byrne, Jeannette Sousa, J. LaRose, Angus Sampson, Ty Simpkins, Andrew Astor, Derick Alexander, Johnny Yong Bosch, Josh Feldman, Philip Friedman, Kimberly Ables Jindra, Caslin Katsaros, Derrick Oliver, Ruben Pla, Chelsea Tavares, Heather Tocquigny, Corbett Tuck.
Durata: h 1.38 Nazionalità: USA 2011 Genere: horror

James Wan, conosciuto prettamente per aver girato l'opinabile "Saw - L'enigmista" (2004) - e prodotto la relavita prolissa e presuntuosa saga -, a tre anni dal suo ultimo lavoro registico, "Death Silence" (2007), torna a dirigere sedendosi dietro la sua bieca cinepresa. "Insidious" ricalca la classica trama della possessione demoniaca, elemento banalotto ed abusato, ma recentemente poco trattato dall'ambiente cinematografico, alla quale fa però capo l'elemento innovativo del viaggio astrale, esperienza extracorporea che conduce in una dimensione profana per chiunque sia vivo.
Il prodotto appare promettente, gode di una regia digeribile e di alcune scene imprevedibili che fanno saltar giu dalla sedia; un vero peccato, però, che il contenuto prettamente edibile si consumi praticamente nel solo primo tempo. Le buone premesse verranno del tutto smantellate da una lunga ed imbarazzante sequenza finale, degna della peggior fiera carnascialesca paesana...

Avete mai provato a rinchiudere degli spiriti incazzati dentro uno sgabuzzino e bloccarne la porta con una seggiola? Un'insidia davvero poco "insidiosa" per i miei gusti!

Voto 4½

Vik Korova

2011 Best Music

2011-12-18T17:40:00.007+01:00

Beirut/ The Rip Tide

David Sylvian/ Died in the Wool

Hammock/ Asleep in the Downlights

James Blake/ James Blake

Josh T. Pearson/ Last of the Country Gentleman

Megafaun/ Megafaun

Oneohtrix Point Never/ Replica

Radiohead/ The Kings of Limbs

Sara Lov/ I Already Love You

St. Vincent/ Strange Mercy

The Top Ten Albums of 2011

2011-12-16T18:09:00.013+01:00

Bon Iver/ Bon Iver

Destroyer/ Kaputt

Girls/ Father, Son, Holy Ghost

M83/ Hurry Up, We're Dreaming

Mogwai/ Hardcore Will Never Die, But You Will

My Morning Jacket/ Circuital

PJ Harvey/ Let England Shake

Thurston Moore/ Demolished Thoughts

Wilco/ The Whole Love

Wire/ Red Barked Tree

Trong Hay Ngoai Tay Em (With Or Without Me) di Swann Dubus e Phuong Thao Tran

2011-12-07T16:32:00.002+01:00

Pulsioni di vita e di morte. Un documentario che inquadra la spettrale situazione di una regione agricola dell’attuale Vietnam, al confine con il Laos, dove gli abitanti si barcamenano pericolosamente tra la raccolta del riso, la noia e l’eroina.

L’Aids è sempre dietro l’angolo, pericolo sottovalutato e atteso, incubo per familiari e parenti dei sieropositivi. E la macchina da presa dei giovani registi, il francese Swann Dubus e il vietnamita Thao Tran, è fedele testimone della vita e dei pensieri di Thi e Chung, due destini accomunati dalla stessa attesa di morte. Entrambi tossicodipendenti e sieropositivi, vivono per non morire. Ma mentre la disperazione di Thi è proiettata verso un futuro che vorrebbe costruire “smettendo domani” di drogarsi, Chun è fermamente proiettato verso la fine. Si rivolge al padre defunto come a un compagno di vita e confessore; vive per sua stessa ammissione come uno zombie, un non morto, una vita non vita.

Il film procede per accumulazione: di pensieri, situazioni, drammi familiari, piaga dello spaccio e piccoli gesti. Ed è qui che si fa autenticamente commovente ed eticamente inattaccabile: la vera addiction che racconta è quella della solitudine, della droga associata all'abisso della tristezza, persino le canzoni che si scrivono e cantano nella zona parlano ormai di eroina e di come affrontarla. Piani sequenza che inseguono ed avvolgono e una voice over, i pensieri dei due protagonisti e dei loro familiari, che trasforma la testimonianza in cinema: la solitudine che Thi e Chung manifestano crea molta più disperazione dell’Aids e le inquadrature che li scoprono a farsi nei campi sono di una disperazione lacerante e controllata.

"Con me o senza di me il mondo sarà lo stesso": è il germe della depressione che origina i fenomeni associati alla droga. E tentare di analizzarli in un Paese in via di sviluppo che “assaggia” da poco la ricchezza è il vero grande merito del bel documentario di Dubus e Tran.

Pietro Masciullo

Anna Domino- On The Hudson (Demo)

2011-12-06T10:47:00.005+01:00

On The Hudson è una composizione che appartiene a un demo che la stessa songwriter ci ha inviato tempo fà.

Abbiamo pensato che non sarebbe stato giusto nascondere al mondo tale manifestazione artistica di immensa bellezza.

La musica è l'ideale colonna sonora di una poesia raffinata, staccata dalla urgenza delle passioni, ricca di preziosismi e memorie, abile a trasportarci in un mondo lontano, ove regnano la serenità e la contemplazione.

Anna Domino - On The Hudson (Demo)

www.youtube.com

Playlist Tendenziale Dicembre

2011-12-01T13:54:00.006+01:00

Cat Power/ You Are Free

Girls/ Father, Son, Holy Ghost

Lisa Germano/ Geek the Girl

Hammock/ Asleep in the Downlights

PJ Harvey/ Stories from the City, Stories from the Sea

Sara Lov/ I Already Love You

St. Vincent/ Strange Mercy

Sufjan Stevens/ All Delighted People EP

The National/ High Violet

Zun Zun Egui/ Katang

Sara Lov/ I Already Love You

2011-11-29T13:49:00.014+01:00

Abbiamo sempre pensato che Sara Lov, creatrice con Dustin O'Halloran dei Devics, fosse una delle autrici più affascinanti tra le tante che popolano il panorama musicale indipendente, e pensavamo bene.

I Already Love You, il suo nuovo album, pubblicato dalla Splinter/Irma, è una raccolta di sublimi e delicatissime manifestazioni artistiche.

In questa ammaliante opera la Lov rivisita in modo originalissimo diversi classic dei nostri tempi.

La freschezza e la bellezza del risultato finale sta non tanto nella scelta del prodotto che lo ha determinato, ossia i titoli delle varie tracks, ma bensì nelle capacità interpratative ed espressive della musicista nordamericana.

I Already Love You si evolve seguendo un contesto ispirativo delicato, evocativo e mai ripetitivo.

Atmosfere tipiche di giornate uggiose si manifestano in tutto il loro tono romantico e crepuscolare. Tinte pastello e colori comunque tenui animano un affresco musicale intensamente raffinato.

Le liriche parlano di amori, più o meno felici, di rapporti interpersonali e generazionali, insomma ciò che viviamo giornalmente.

Ogni momento del disco è meritevole di citazione; noi desideriamo soltanto soffermarci su Papa Was A Rodeo, brano dei Magnetic Fields, che dopo questa rivisitazione si collaca tra quelle cose che trascendono ogni razionale criterio di bellezza e Square Heart, dei Black Heart Procession, retta da pianoforte e violino.

Anche I Already Love You sarà nella nostra Top Ten del 2011.

Disponibile su annieroses intervista ai Devics, effettuata in occasione della pubblicazione di Push the Heart.

The Catalogue: Midaircondo/ Shopping For Images - Interview

2011-11-28T17:19:00.009+01:00

Midaircondo è un trio svedese formato da Lisa Nordstrom, Lisen Rylander e Malin Dahlstrom.

Shopping For Images, primo album pubblicato dalla Type Records, è stato preceduto ed abbondantemente influenzato dall'importante attività concertistica della band.

Le live performances delle Midaircondo sono caratterizzate da una spiccata visualità, che ha come sottofondo musica elettroacustica dove sax, flauto e voci incontrano spunti elettronici essenzialmente minimali; la consolidata esperienza live è quindi divenuta la base successivamente rirpoposta in studio.

Shopping For Images è una raccolta di spunti compositivi che si evolvono in modo estremamente coerente.

La natura dell'opera prima delle artiste nordeuropee rende naturale la sua collocazione tra quelle produzioni poco comuni nell'ambito delle tendenze musicali di ricerca alternative contemporanee.

Di notevole interesse gli esperimenti vocali che ci permettono di godere di intuizioni mutevoli ed eteree.

Musica adatta ad un certo cabaret metropolitano, potremmo definirla.

Shopping For Images è un lavoro di estrema eleganza stilistica che dà nuova linfa alla scontata e poco dinamica corrente europea elettronica colta.

Pure il suo affascinante lato romantico contribuisce ad accrerscene i tanti meriti.

Midaircondo Interview

Incontro le tre compositrici svedesi in occasione dell'esibizione di Palermo e non ho perso la chance di intervistarle. Lisa, Lisen e Malin si presentano puntuali all'appuntamento, per nulla euforizzate dall'improvviso successo.

Da dove nasce il vostro nome

Abbiamo cercato di fare mente locale ed abbiamo pensato a tanti differenti nomi ed è nato, inaspettatamente Midaircondo...un luogo che volteggia nell'aria e che ci trasporta verso l'alto quando suoniamo lanostra musica, un luogo dove tutto è permesso e possibile; insomma un luogo chiuso ma senza pareti, nè muri.

Avete stilisticamente dei punti di riferimento.

Noi ascoltiamo e siamo influenzate da tanti tipi di musica. Sono importanti i suoni con cui quotidianamente veniamo a contatto e non ci piace indirizzare il nostro interesse su un gere indefinito. Desideriamo essere molto aperte ed avere una visione completa del mondo che ci circonda.

( della serie: nessuno stile di riferimento, siamo capiscuola- n.d.r.)

Siete impegnate in una intensa attività concertistica; che rapporto avete con i vostri fans.

Le nostre live performances sono basate sull'improvvisazione e non decidiamo a priori quello che suoneremo, lasciamo che sia il posto dove ci esibiamo ed il pubblico presente ad influenzare le nostre esibizioni. Ogni concerto è una nuova situazione ed è bello interagire con essa. Tutto accade in quel determinato momento e ci permette di esplorare e comprendere quello che produciamo di volta in volta; ed è il nostro pubblico a rendere tutto ciò possibile. Ci avvaliamo delle idee della nostra designer, Maria Nordstrom, che crea nonsolo gli effetti visivi ma anche gli abiti che indossiamo on stage.

Avete firmato per la Type Records; siete soddisfatte del lavoro fatto fino ad ora.

Si, siamo molto felici! Abbiamo avuto una straordinaria collaborazione con Andreas Tilliander, che ha curato il missaggio. Abbiamo registrato in due sessioni, Stoccolma e Goteborg. Alune delle tracks sono registrazioni di improvvisazioni, altre sketches di pezzi antecedenti alle registrazioni. Abbiamo girato anche un video di Serenade, diretto da Hanna Elin Ahman.

Midaircondo è recentemente diventato un duo, per l'abbandono di Malin Dahlstrom, ed ha pubblicato un altro pregevole disco, Curtain Call, per la Twin Seed Recordings.

The Catalogue: Clap Your Hands Say Yeah

2011-11-23T20:43:00.011+01:00

Mettete insieme i Talking Heads di David Byrne, Feelies ed i freschissimi Interpol e potrete avere un termine di paragone per definire la musica di Clap Your Hands Say Yeah, band della East Coast statunitense che anima la scena indie-rock contemporanea.

Il gruppo è composto da Alec Ounsworth, Lee Sargent, Robbie Guertin, Tyler Sargent e Sean Greenhalgh.

Clap Your Hands Say Yeah è l'eccitante opera d'esordio del quintetto nordamericano.

L'album si avvia a superare le 40.000 vendute; tante se si considera che soltanto recentemente il disco è stato ristampato ed immerso sul mercato discografico dalla Wichita/V2. Precedentemente il CD, una autoproduzione estremamente indipendente, poteva essere acquistato esclusivamente on-line attraverso il sito ufficiale dell'ensamble newyorkese.

Clap Your Hands Say Yeah è una raccolta di canzoni composte all'insegna di un rock genuino e senza fronzoli che si sposa con eccentriche melodie pop.

La sua essenzialità sonora è tipica delle nuove produzioni della scena musicale alternativa della Grande Mela.

Ogni nota emana una scintillante energia positiva in grado di suscitare momenti di notevole capacità evocativa.

E' come ritornare indietro nel tempo, vivendo nel presente. La semplicità che lo caratterizza rende il suo ascolto immediato ed accattivante.

La musica è tutta giocata su scarni ed ipnotici intuizioni geometriche che fanno da supporto alla energica e nevrotica voce di Alec Ounsworth.

Un disco incantevole e prezioso. Calorosamente consigliato.

The Notwist/ "The Devil, You + Me"

2011-11-22T20:25:00.009+01:00

I Notwist si formano nel 1989 a Weilheim, Monaco. All'inizio il loro sound, alimentato da una viscerale estetica sonora, è usualmente associato a certo Hardcore Metal.

Nel 2002 la band tedesca da vita a Neon Golden, uno stupendo album a tutt'oggi estremamente affascinante ed originale, che è stato anche il proprio maggiore successo commerciale e che ha ottenuto globalmente grandi successi di critica.

In Neon Golden è rintracciabile una chiara ispirazione sperimentale che si stempera in intuizioni pop molto efficaci; su tale ampia gamma di suoni si erge la romantica e malinconica voce di Markus Acher.

The Devil, "you + me", è stato composto quale soundtrack del film "Storm", di Hans-Christian Schmid; storia di una possibile testimone di crimini commessi durante la guerra bosniaca.

In esso emerge costantemente il passato dell'ensamble bavarese, ossia quella fusione di jazz, rock ed elettronica, ed il lato tendenzialmente più esplorativo, tipico delle ultime produzioni del trio. E' proprio l'incontro di tali estremi a rendere The Devil, "you + me" un disco dalle molteplici sfaccettature armoniche.

L'album si manifesta efficacemente già dalla straordinaria apertura di "Lies Good", fino al fragile e sommerso lirismo di "Gone Gone Gone".

La musica percorre i sentieri di un equilibrato e pacato linguaggio espressivo; toni sobriamente scanditi, generati da delicati ritmi elettronici, danno vita ad atmosfere intimiste e soffici.

I testi esplorano il disagio esistenziale dell'individuo contemporaneo che si traduce a volte in particolari stati d'animo fatti di tristezza, disperazione ed angoscia; presente anche la constatione ed il rifiuto dell'inevitabile e monotono ciclo della vita e della morte.

Markus Acher, Michael Acher e Mecki Messerschmid allietaranno con siffatta godibilissima produzione gli amanti della musica alternativa ed evoluta attuale, identificabile in gruppi come Radiohead, certi recenti Wilco etc.

The Catalogue: pj Harvey/ White Chalk

2011-11-22T10:45:00.011+01:00

Pj Harvey, pj sta per Polly Jane, è una tra le più geniali performer esongwriter dei nostri tempi.

White Chalk è una roccolta di tetro e sublime silenzio, emozionalmente commovente e malinconica.

Lavoro estremamente introspettivo, non è un album di facile ascolto, tutt'altro; non tanto per le songs, di fattodivine e misteriose, ma perchè ascoltandolo ci si sente inqualche modo invadenti, come se stessimo guardando furtivamente all'interno di un mondo privato ed interiore che non ci appartiene.

Ogni momento dell'opera emana una atmosfera pervasa da una forte sensazione di inquietante disinteresse verso tutto ciò che appartiene all'ambito fisico.

La crepuscolare voce della compositrice inglese è accompagnata da soffici note generate da tocchi di strumenti acustici, piano, arpa, armonica etc.

The Piano è un brano intensamente poetico che raggiuge momenti di struggente liricità e rara bellezza estetica...

"Hit her with a hammer/Teeth smashed in
Red tongue twitching Look inside her skeleton
My fingers sting Where I feel your fingers have been
/Ghostly fingers/ Moving my limbs
Oh God I miss you/Oh God I miss you
Oh God I miss you/Oh God I miss you
Oh God I miss you
Daddy's in the corner/ Rattling his keys
Mommy's in the doorway/Trying to leave
Nobody's listening Nobody's listening
Nobody's listening Nobody's listening
Nobody's listening Nobody's listening
Nobody's listening Nobody's listening
Oh God I miss you/Oh God I miss you
Oh God I miss you Oh God I miss you
Oh God I miss you/Oh God I miss you"

Definitivamente White Chalk da vita ad un quadro musicale minimalista, che percorre i sentieri spirituali ed intimi della sua creatice.

The Catalogue: Porcupine Tree/ Deadwing

2011-11-21T13:42:00.012+01:00

Dopo più di due anni d'attesa dall'ultimo disco, In Absentia, settembre 2002, Porcupine Tree tornano sulla scena musicale proponendo un album di superba bellezza, Deadwing, prodotto da Lava Records.

Gli amanti del gruppo britannico noteranno alcuni aspetti nuovi, probabilmente relazionati a momenti musicalmente più duri, nello scorrere dei brani, anche se Steven Wilson e compagni continuano a trasmettere la più profonda essenza del loro stile.

Dopo l'intenso lirismo iniziale di Deadwing e Shallow, si passa all'atmosfera celestiale creata dal dolce Lazarus.

La seguente track, Halo, ritorna su linee espressive drastiche ed introduce la vertiginosa Arriving Somewhere But Not Here. Senza attimi di tregua viviamo la sensazione esplicita della appartenenza dei Porcupine Tree alla scena progressive psichedelica attuale.

Le trame sperimentali originate dai Porcupine Tree sono alimentate da una dirompente freschezza creativa. Quasi a volere ribadire la loro immensa genialità compositiva, Steven Wilson, Richard Barbieri, Colin Edwin e Gavin Harrison, arrivano i sette fantastici minuti di Mellotron Scratch.

La song successiva, Open Car, è una sorta di ponte da attraversare per giungere finalmente a Start of Something Beautiful, una composizione che tocca l'apice estremo del sublime, dove l'ensamble esprime la propria poliedrica potenzialità immaginativa.

Assolutamente tale brano ci fa viaggiare in un meraviglioso universo sonoro che pochi artisti hanno saputo creare. E propriamente ispirati dall'antico e sempre vivo gigante pinkfloydiano chiudono Deadwing con Galss Shattering.

The Catalogue: Cat Power/ The Greatest

2011-11-20T19:51:00.007+01:00

The Greatest è il settimo album dell'affascinante Chan Marshall, in arte Cat Power.

Così come i lavori che lo precedono, eccezion fatta per Dear Sir e Myra Lee, è stato pubblicato dalla Matador, label nordamericana di punta del mercato indipende.

Poetessa, musicista e sognatrice Cat Power continua a proporre in modo eccentrico ed originale le sue intuizioni creative, tendenzialmente indirizzate verso un dark folk acustico ed essenziale, abili a proporre una ricca gamma di sollecitazioni che riescono ad ipnotizzare l'ascoltatore tramite melodie che trascendono l'aspetto fisico della realtà circostante.

Il tempo si ferma e magicamente si è trasportati in un mondo fatto di delicatezza, semplicità e rievocazioni.

Chan Marshall si forma artisticamente a New York City.

Le influenze della Grande Mela sono evidenti così come il predominante e continuo nomadismo che l'ha sempre accompagnata e che le ha dato la possibiltà di venire a contatto con molteplici figure della scena musicale alternativa contemporanea.

La musica della bella songwriter è caratterizzata da un intenso e fantasmagorico miscuglio di suoni e colori che sfociano in atmosfere dilatate e descrittive.

A ragione Cat Power è definita la chansonnier dell'indie rock newyorkese.

La sua voce, introspettiva e notturna, emana un calore particolarmente avvolgente.

Fulgide armonie sonore, animate da tocchi di piano, chitarre e percussioni, generano un contesto poetico e musicale emozionalmente intimista.

Notevolmente brillante la ricchezza di intrecci strumentali, strutturalmente concepiti in modo minimale, che percorrono i sentieri di continue esplorazioni espressive.

Chi ama Tom Waits troverà in Chan Marshall una musa ispiratrice in linea con i nostri tempi.

Definitivamente un disco pacato e riflessivo che aiuta a meditare.

Metropolitano e romantico.

Discografia consigliata

Moon Pix

You Are Free

The Greatest

Jukebox

Dark End Of The Street

The Cure "Reflections Tour" Live @ London - Royal Albert Hall, 15/11/2011

2011-11-19T09:10:00.007+01:00

Live Reports by Vik Korova

Correva l'anno 1981, plumbea epoca londinese che consacrò i Cure come gli oscuri narratori di un immaginario trascendentale.

Oggi, nel 2011, a trent'anni di distanza, Smith & Co, tornano di gran carriera nella stessa Londra che li svezzò e diede loro voce riportando in auge un tempo lontano.

La magnifica Royal Albert Hall diviene, in breve, teatro di un presente che prende il nome di "Faith, quell'era di mezzo il cui passato fu rappresentato da "Three Imaginary Boys" e "Seventeen Seconds" ed il cui futuro si sarebbe concretizzato nel celebre "Pornography". Con una formazione dinamica e del tutto rinnovata, la band apre le danze di questa terza data del "Reflections Tour" con un lucido power trio, spiazzante e corroborante- Smith, Gallup, Cooper-, rimettendo in scena il primo album della loro carriera, datato 1978, "Three Imaginary Boys".

L'adolescenzialità dei brani viene abilmente mitigata dall'esperienza dei tre che spiccano particolarmente in "Another Day", "Subway Song" e "Fire in Cairo". La proverbiale apparizione sul palco di Roger O'Donnell, storico tastierista del gruppo licenziato nel 2005, segna il passaggio all'epoca successiva, quella di "Seventeen Seconds". Le flebili tastiere addolciscono il mesmerico nichilismo del set, che trova certamente il massimo splendore in "A Forest" e nella bistrattata "Seventeen Seconds", brano suonato solo ed esclusivamente durante il tour dell'80 e mai più riproposto.

Con il sopraggiungere di Laurence "Lol" Tolhurts, uno dei padri fondatore dell'originario trio immaginario, la band è finalmente al completo e si mostra in tutto il suo splendore proponendo il tanto atteso "Faith".
La perfetta atmosfera e l'impeccabile immedesimazione dei musicisti veicola l'imponenza di brani come "The Funeral Party" e "The Drowning Man" che rappresentano il culmine artistico della serata, riverberando su di una platea pervasa da un rigoroso silenzio estatico. Finiti i tre blocchi principali, il quintetto, capeggiato da un Robert Smith particolarmente logorroico, si precipiterà alla riscoperta di vecchie perle dimenticate, "Charlotte Sometimes", finalmente ridegnata delle proprie tastiere, e "Another Journey By Train" su tutte, per finire con brani più luminosi e goliardici come "The Walk" e "The Lovecats".

Concedendosi al pubblico con un immenso set di ben 45 brani, per un runtime totale abbondantemente oltre le tre ore, l'irripetibile spettacolo appare immediatamente di spessore e qualità decisamente superiori alla quasi totalità delle ultime apparizioni della band dal 2000 ad oggi. Coadiuvato da un'acustica eccezionale, cosa rara nei concerti dei Cure, si proietta direttamente alla vetta della loro carriera concertistica, spodestando gli storici episodi di Roma 2002 e Taormina 2005.

Ecco la scaletta:

- Three Imaginary Boys set:
10:15 Saturday Night, Accuracy, Grinding Halt, Another Day, Object, Subway
Song, Foxy Lady, Meathook, So What, Fire In Cairo, It's not You,
Three Imaginary Boys, The Weedy Burton
- Seventeen Seconds set:
A Reflection, Play for Today, Secrets, In Your House, Three, The Final Sound,
A Forest, M, At Night, Seventeen Seconds.
- Faith set:
The Holy Hour, Primary, Other Voices, All Cats are Grey, The Funeral Party,
Doubt, The Drowning Man, Faith.

- Encore 1:
World War, I'm Cold, Plastic Passion, Boys Don't Cry, Killing an Arab,
Jumping Someone Else's Train, Another Journey by Train.
- Encore 2:
Descent, Splintered in her Head, Charlotte Sometimes, The Hanging Garden.
- Encore 3:
Let's Go to Bed, The Walk, The Lovecats.

Belle & Sebastian- Like Dylan in the Movie

2011-11-16T19:27:00.005+01:00

Lisa's kissing men like a long walk home
When the music stops
Take a tip from me, don't go through the park
When you're on your own, it's a long walk home

If they follow you
Don't look back
Like Dylan in the movies
On your own
If they follow you
It's not your money that they're after, boy, it's you
Pure easy listening, settle down
On the pillow soft when they've all gone home
You can concentrate on the ones you love
You can concentrate, hey, now they've gone

But if they follow you
Don't look back
Like Dylan in the movies
On your own
If they follow you
It's not your money that they're after, boy, it's you

Yeah, you're worth the trouble and you're worth the pain
And you're worth the worry, I would do the same
If we all went back to another time
I will love you over
I will love you over
I will love you

If they follow you
Don't look back
Like Dylan in the movies
On your own
If they follow you
Tenderly you turn the light out in your room

http://www.youtube.com/watch?v=o4XOlPvxrVs

The Flaming Lips/ Fight Test

2011-11-15T10:23:00.005+01:00

I thought I was smart/ I thought I was right
I thought it better not to fight/ I thought there was a
Virtue in always being cool/ so when it came time to
Fight I thought I'll just step aside and that the time would
Prove you wrong and that you would be the fool

I don't know where the sun beams end and the star
Lights begins it's all a mystery

Oh to fight is to defend if it's not
Now than tell me when would be the time that you would stand up
And be a man/ for to lose I could accept but to surrender
I just wept and regretted this moment/ oh that I
I Was the fool

I don't know where the sun beams end and the star
Lights begins it's all a mystery
And I don't know how a man decides what right for his
Own life/ it's all a mystery

Cause I'm a man not a boy and there are things
You can't avoid you have to face them when you're not prepared
To face them
If I could I would but you're with him now it'd do no good
I should have fought him but instead I let him/
I let Him take you

I don't know where the sun beams end and the star
Lights begins it's all a mystery
And I don't know how a man decides what right for his
Own life/ it's all a mystery

The La's/ There She Goes

2011-11-13T16:56:00.021+01:00

There she goes
There she goes again
Racing thru' my brain

And I just can't contain
This feelin' that remains

There she blows
There she blows again

Pulsing thru' my vein
And I just can't contain
This feelin' that remains

There she goes, there she goes again
She calls my name, pulls my train

No-one else could heal my pain
And I just can't contain
This feelin' that remains

There she goes
There she goes again
Chasing down my lane

And I just can't contain
This feelin' that remains

River Phoenix

http://www.youtube.com/watch?v=Df0Ws1MVfuI

Cabaret Voltaire/ Johnny Yesno- Redux

2011-11-11T15:44:00.005+01:00

La nuova edizione “redux” di Johnny YesNo contiene: il film originale uscito nel 1982, una nuova versione del film girata da Peter Care in tempi recenti a Los Angeles con un nuovo cast, più di 140 minuti di materiale bonus su 2 CD con nuove tracce registrate appositamente dai Cabaret Voltaire per la nuova edizione, dei remixes di Richard H. Kirk oltre a nuove note di copertina redatte da Ken Hollings.

Diretto 30 anni fa dal regista Peter Care, con un cast di attori sconosciuti, il film fu pubblicato dall' etichetta Double Vision di proprietà dei Cabaret Voltaire e divenne in breve tempo un cult movie nel circuito del cinema indipendente.

Buona parte della fama la ottenne grazie alla musica allucinante della colonna sonora scritta appositamente dai Cabaret Voltaire oltre che dalla trama del film, una storia di vita urbana ambientata nella città di Manchester, un intenso incubo metropolitano a base di droga, allucinazioni e sesso.

Disco Club

All Time Top 100 Albums

2011-11-07T18:22:00.022+01:00

Anna Domino/ East and West
Anthony and the Johnson/ Anthony and the Johnson
Ariel Pink's Haunted Graffiti/ Before Today
Bauhaus/ In The Flat Field
Bel Canto/ Birds Of Passage

Belle & Sebastian / If You're Feeling Sinister
Ben Watt/ North Marine Drive
Benjamin Lew-Steven Brown/ Douzieme Journee: Le Verbe, La Parure, L'Amour

Bill Evans/ Live at Village Vanguard
Black Heart Procession/   2
Blonde Redhead/   23
Bob Dylan/ Higway 61 Revisited
Breathless/ Chasing Promises
Brian Eno-David Byrne/ My Life in a Bush of Ghosts
Cabaret Voltaire/ Johnny Yesno

Cat Power/ You Are Free
Cinematic Orchestra/ Ma Fleur
Clan Of Ximox/ Medusa
Clash/ London Calling
Cocteau Twins/ Garlands
Cure/ Faith
David Bowie/ Low
David Sylvian/ Secrets Of Beehive
David Sylvian/ Everything and Nothing
Dead Can Dance/ Dead Can Dance

Devics/ The Stars at S.Andrea
Dexter Gordon/ Our Man in Paris

Dream Syndicate/ The Days Of Wine and Roses
Dif Juz/ Extractions
Durutti Column/   LC
Feelies/ Crazy Rhythms
Felt/ Crumbling the Antiseptic Beauty
Flaming Lips/ Yoshimi Battles the Pink Robots
Frank Zappa/ Hot Rats
Genesis/ The Lamb Lies Down on Brodway
Gentle Giant/ Three Friends
Gong/ You
Good Speed You Black Emperor/ Lift Your Skinny Likes Antennas to Heaven
Hammock/ Chasing After Shadow…Living with the Ghosts
John Coltrane/ Ballads

Joy Division/ Closer
King Crimson/ Red
Lisa Germano/ Geek the Girl
Lou Reed/ Berlin
Lounge Lizards/ Lounge Lizards
Marquis De Sade/ Rue De Siam
Mogwai/ Hardcore Will Never Die, But You Will
Michael Nyman/ The Draughstman's Contract
Miles Davis/ Milestones
Minimal Compact/ One by One

Mojave 3/ Excuses for Travellers
Morphine/ Like Swimming
Morrissey/ Bona Drag
My Morning Jacket/ Circuital
Names/ Swimming
National/ High Violet
Neil Young/ Zuma
New Order/ Movement
Nirvana/ Unplugged in New York
Notwist/ Neon Golden
P.J. Harvey/ White Chalks

Penguin Cafe Orchestra/ Music from the Penguin Cafe
Peter Murphy/ Love Hysteria
Philip Glass/ Koyaanisqatsi
Pink Floyd/ Ummagamma
Polyrock/ Changing Hearts
Porcupine Tree/ The Sky Moves Sideways
Psychedelic Furs/ Forever Now
Radiohead/ Amnesia
Radiohead/ Kid A

Rip Rig & Panic/ God
Ride/ Carnival Of Light
Robert Wyatt/ Rock Bottom
Sigur Ros/ ()
Smiths/ The Queen Is Dead
Soft Boys/ Underwater Moonlight
Soft Machine/ Third
Soft Verdict/ Vergessen
Sonic Youth/ Daydream Nation
Sound/ Thunder Up
Stone Roses/ Stone Roses
Sufjan Stevens/ Illinois
Stan Getz-Joao Gilberto-Astrud Gilberto/ Getz-Gilberto
Steven Brown/ Zoo Story

Talking Heads/ Remain in Light
Television/ Marquee Moon
This Mortal Coil/ It'll End in Tears
Tom Waits/ Rain Dogs
Tortoise/ Millions Now Living Will Never Die
Tuxedomoon/ Half Mute
Tuxedomoon/ Ship of Fools
Twin Shadow/ Forget
Velvet Underground/ Velvet Underground & Nico
Virginia Astley/ From Garden Where We Feel Secure
Wall Of Voodoo/   Dark Continent
Wayne Shorter/ Adam's Apple
Wim Mertens/ After Virtue
Wire/ 154

X/ Los Angeles
XTC/ English Settlement

My Morning Jacket / "Holdin' On To Black Metal"

2011-11-07T10:30:00.002+01:00

It's a darkness you can't deny
But it don't belong in a grown up mind
Suppose you'll find this place in a youngster's eyes
Coming into life you needn't cry
But as a boy you gotta let it go
Or
You'll find out something is good
Oh black metal you're so misunderstood

Holdin' on to black metal
(Black metal)
Holdin' on to black metal
(Black metal)
Black metal you've been holding on too long

Oh black metal, so misunderstood
Don't turn yourself into Lucifer's fool
Black metal feeds those young, enough is enough
Wants refills out of Lucifer's cup
Black metal lead to and your teenage pop
Look at you starchild you're all grown up

Still holdin' on to black metal
(Black metal)
Still holdin' on to black metal
(Black metal)
Black metal you've been holding on too long

Catch your waves on Lucifer's beach
Taking shade and underneath Lucifer's trees
Getting sustenance from Lucifer's peach
Oh black metal it's a fact in all your speech

Holdin' on to black metal
(Black metal)
Holdin' on to black metal
(Black metal)
Black metal you've been holding on too long

(Black metal)
(Black metal)
Oh bring them to me
(Black metal)
Oh making me think
(Black metal)
Oh one, two, three
Let's rock!

My Morning Jacket/ Circuital

2011-11-07T10:14:00.007+01:00

Beh che dire, l'impatto con il nuovo disco dei My Morning Jacket è folgorante. Holding On The Black Metal è una delle songs più belle degli ultimi decenni. Assolutamente non siamo d'accordo con chi sostiene che la band americana dia il meglio di se esclusivamente nelle live performances, realmente eroiche ed esaltanti.

Circuital supporta il nostro dissenso; esso è un album di intensità sonora non comune.

My Morning Jacket rappresentano artisticamente stati d'animo, senzazioni e modi di essere estremamente attuali.

Circuital è un'opera di puro rock alternativo, che esalta musicalmente l'intenso lirismo della voce di Jim James, carismatico ed indiscusso frontman del gruppo di Louisville, Kentucky.

Di fatto Circuital, pubblicato dallo Ato, segna un parziale ritorno alle origini folk e psichedeliche della band; il tutto si traduce in magiche armonie che esprimono al meglio l'originalità creativa dell'ensamble nordamericano.

Il godibilissimo lato romantico contribuisce ad accrescere i meriti del sesto lavoro dei My Morning Jacket.

Stilisticamente sono artefici di una sorta di sperimentazione stravagante; non sono un semplice gruppo rock; essi appartengono a quei fatti che trascendono ogni razionale classificazione.

"Mi hanno detto di non fumare la droga, ma io non ho voluto ascoltare / Non ho mai pensato di rimanere intrappolato e finire in prigione", canta in modo naturalmente drammatico James in "Outta My System".

Ogni momento di Circuital scaturisce da una notevole vitalità e da una energia irresistibilmente inconsueta.

Con Twin Shadow tra le più eccitanti ed attraenti bands americane di questi anni.

Circuital, anche non raggiungendo le vette dei live show dei My Morning Jacket, è un passo estremamente importante e solido per una band che non hai smesso di evolversi.

Certamente nella nostra Top Ten del 2011.

Ten Songs To...

2011-11-04T11:42:00.007+01:00

Anna Domino/ Caught
Anna Domino/ Lake
Great Lake Swimmers/ Palmistry
Joy Division/ Decades

Mojave 3/ Bringin' Me Home
P.J. Harvey/ The Piano

Phoenix/ Lisztomania

Porcupine Tree/ Trains
Sigur Ros/ Untitled #8"- a.k.a. "Popplagið"
Steven Brown- Nikolas Klau/ The Cage- Live Performance Messina, Teatro S. Luigi, 1987

Playlist Tendenziale Novembre

2011-11-01T18:00:00.010+01:00

Ariel Pink's Haunted Graffiti/ Before Today

Cat Power/ Dark End Of The Street

Mogway/ Hardcore Will Never Die, But You Will
P.J.Harvey/ White Chalk

Sparklehorse/ It's A Wonderful Life
Steve Wynn/ Here Come The Miracle

Sufjan Stevens/ All Delight People Ep

This Mortal Coil/ It'll End In Tears

Twin Shadow/ Forget
Wire/ Red Barked Tree

This Must Be The Place- Regia: Paolo Sorrentino

2011-10-28T19:58:00.003+02:00

Interpreti: Sean Penn, Frances McDormand, Tom Archdeacon, Shea Whigham,
Harry Dean Stanton, Joyce Van Patten, Kerry Condon, Judd Hirsch, Seth Adkins,
David Byrne, Eve Hewson, Simon Delaney, Gordon Michaels, Robert Herrick,
Tamara Frapasella, Sarab Kamoo.
Durata: h 1.58 Nazionalità: Italia, Francia, Irlanda 2011 Genere: drammatico

"...Le storie vengono dopo. Di solito le storie non mi piacciono.
Non mi piacciono le trame. Se potessi, le abolirei. Le storie bene
o male sono sempre le stesse, sia che si tratti di Orson Welles,
che dell’ultimo dei registi di soap opera. Solo raramente rimango
affascinato da una storia. L’unica cosa che mi affascina è il
tentativo di capire gli uomini, le loro sfaccettature,
i loro lati più oscuri e misteriosi..."- P.Sorrentino-

Parole sante quelle di Sorrentino, regista ormai affermatosi come
tra i più rappresentativi della scena italiana e non, che gia ne
"Il Divo", del 2008, s'erano concretizzate. Oggi più che mai,
quasi fosse un Goldoni del ventunesimo secolo, attua la propria
"riforma del cinema", spodestando dal podio la florida e remunerativa
figura del film "di intreccio" per rimpiazzarla con quella del film
"di carattere", scandagliando a fondo la componente umana, unica vera
protagonista della pellicola.

In "This Must Be The Place" "l'uomo" Sorrentiniano è elevato a potenza
cubica; il canovaccio funge da intelligente pretesto, da scintilla motrice
per un corpo ormai inerte. Cheyenne (Sean Penn) è una rock star
profondamente annoiata che, in seguito ad una tragedia della quale
si crede l'artefice, s'è rinchiusa a forza nel suo guscio, un universo
parallelo fatto di risolini omosessuali, attenti sguardi, glaciali e
secche risposte sagaci ed improvvisi sfoghi isterici. Elementi, questi,
che costituiscono ormai la quotidianeità di un guru appassito, un
Robert Smith in pensione che, come una vecchia zia, si trascina nei suoi
abiti di scena per fare la spesa, portandosi dietro l'immancabile trolley,
l'equivalente della coperta per Linus, come fosse un cane al guinzaglio.

Amante della vita, pur nascondendosi all'ombra della stessa, comincerà
ad apprezzarla e ad affrontarla veramente soltanto alla morte del padre
che scaturirà un vero e proprio tumulto nella sua abitudinarietà.
Decide, dunque, di recarsi negli Stati Uniti per cercare il carnefice
nazista che, in passato, perseguitò suo padre in un campo di concentramento.
Si da il via, così, ad un processo evolutivo rimasto interrotto da troppo
tempo, un viaggio "on the road" che lo condurrà al suo personalissimo bivio
esistenziale, coronato da una delle sequenze cinematografiche più belle degli
ultimi anni.

Con "This Must Be The Place", Sorrentino approda negli States e lo fa
senza contaminarsi, senza perdere il suo caratteristico smalto,
esorcizzando qualsiasi ampollosità sentimentalista di maniera e mantenendo
un'impronta autoriale degna di nota e rispetto. Dirige un prodotto eccelso,
cosparso di ombre legate alle loro vite, disgrazie, avventure compiute e non,
elementi esistenti che si reggono in piedi indipendentemente dal protagonista;
di esse non c'è tenuto sapere tutto, fungono da meri contorni. Scelta ostica,
di stampo quasi Felliniano, ma decisamente approvata.
All'apparentemente scura figura di Cheyenne si contrappone il candore di un
David Byrne nella parte di se stesso- compositore inoltre della splendida
colonna sonora-, che incarna l'antitesi cromatica ed espressiva del leader
degli ormai estinti "Fellows".

Un road movie solare, equilibratissimo, sprizzante di vita e mai sottotono,
adagiato su una sceneggiatura magnificamente scritta e funzionale,
affogato in una fotografia preziosa ed inestimabile e dominato da un
bambinesco Sean Penn in totale stato di grazia!

Voto: 8½

Vik

Mogway/ Hardcore Will Never Die, But you Will.

2011-10-27T21:57:00.008+02:00

Hardcore Will Never Die, But You Will è il settimo album degli scozzesi Mogway, una delle esperienze stilistiche più originali ed innovative in ambito post-rock e della musica attuale in genere.

Il quintetto, formatosi in Glasgow, è composto da Dominic Aitchison, Stuart Braithwaite, Martin Bulloch, Barry Burns, John Cummings.

Hardcore Will Never Die, But You Will è una continua fusione di particelle cosmiche in incessante movimento, è il delirio di visioni infinite, è gioia, è malinconia, è la luce blu della pace e della solitudine, è l'elemento mancante che crea la perfezione.

Anche in questa nuova opera la band scozzese riesce a dare forma artisticamente ad un'idea compositiva che scaturisce nella rappresentazione estetica della bellezza ideale.

La ricchezza dei suoni è sempre una nota predominante nelle dilatate linee creative dei Mogway. Essi sono artefici di melodie pure, incontaminate, che si realizzano risplendendo di luce propria.

Ogni brano è una storia animata da colori fantastici e da sfumature sfuggevoli ed intense. Tracciati sonori infinitesimali ricchi di cenni allusivi si insinuano concentricamente in spazi non identificabili.

Un persistente senso di oscurità e mistero attraversa ogni momento dell'opera.

Il suono maestoso dei Mogway è l'antitesi della musica da sottofondo. Hardcore Will Never Die, But You Will è un album coraggioso e istintivo, spiritualmente molto energico giocato su una profondità di suoni che pochi possono eguagliare.

Hardcore Will Never Die, But You Will è generato da un processo creativo particolarmente speciale.

E' il disco dell'anno.

The Catalogue: Simple Minds/ New Gold Dream

2011-10-26T10:20:00.004+02:00

Simple Minds è una di quelle band che emozionalmente
rispecchia meglio i fermenti intellettuali che hanno
caratterizzato musicalmente l’Europa agli inizi degli
anni 80.

Nasce a Glasgow, città in cui la echo punk
proveniente da Londra trova terreno fertile alla
propria diffusione.

Sempre influenzato dall’enorme carisma di Jim Kerr,
l’ensamble scozzese, stilisticamente, trae spunto però
dagli insegnamenti dei Kraftwork, dei Roxy Music e del
migliore Bowie, più che dalle icone punk imperanti in
quei tempi.

Life in a Day, primo album pubblicato nel 1979, propone
un avvolgente miscuglio di suoni ossessivi ed atmosfere
romantiche.

Eleganza estetica ed uno spiccato senso melodico sono
componenti sempre presenti nella musica dei Simple Minds.

Il primo periodo creativo del gruppo si chiude idealmente
con il passaggio alla Virgin, nel 1981; proprio in questi
anni vengono pubblicati Sons and Fascination e Sister
Feelings Call.

Il risultato, anche se impreziosito dalla produzione di
Steve Hillage, è comunque acerbo e lontano dai momenti
più felici del complesso britannico.

E’ con New Gold Dream, nel 1982, che l’attuazione finale
delle sperimentazioni di Kerr e compagni, tocca gli apici
di una maestosa liricità espressiva.

La musica dell’album è definibile come un sofisticato
synthpop e caratterizzata dalla fusione
di un sound ora tenue ed onirico, ora cupo ed ancestrale.

Con quest'opera i Simple Minds danno vita ad ammirevoli
armonie barocche, a volte imputabili di una pochezza di
contenuti intellettuali, anche se sempre rilucenti di
una smagliante perfezione esteriore.

Benchè meno curato e piu` banale, Sparkle In The Rain, 1984,
finisce per essere anche piu` efficace, forse proprio perche'
rinuncia alle ricercatezze formali.

Prende vita una differente sezione ritmica che propone
l'incedere tempestoso di Up On The Catwalk e Speed Your
Love To Me ; ossia meno pensiero, ma piu` azione.

I brani pacati, Waterfront, e soprattutto East Of Easter,
hanno modo di mettere in mostra qualita` piu` drammatiche ed
intense , in cui Kerr sfiora l'enfasi di Bono. Le percussioni
rubano la scena al resto, deteriorando a lungo andare il
delicato equilibrio che era il segreto e la specificità
del quartetto scozzese.

Tutto quello che avviene dopo, da Street Fighting Years
all’ultimo Black and White, non rende, purtroppo, onore
alla storia di un gruppo che pure è riuscito, anche se in
modo discontinuo, a dare vita a tanti momenti degni di
essere trascritti in un ipotetico libro dei fatti che hanno
accompagnato la storia un’intera generazione.

Simple Minds smette di essere una vera band, mostrandosi,
invero, logora ed incapace di dare senso alla propria
esistenza artistica. Black and White, ultimo lavoro del
2005, è un prodotto privo di significato.

Meglio tornare indietro nel tempo, sulle note di New Gold
Dream; certamente può ancora essere piacevole.

Thurston Moore/ Demolished Thoughts

2011-10-25T11:10:00.004+02:00

Sono passati quasi venti anni da quando esordivano i
Sonic Youth, creatura degli eclettici e visionari
Thurston Moore e Kim Gordon.

La band proveniva, stilisticamente e culturalmente,
dall'underground newyorkese più estremo ed oscuro.

In questo suo nuovo album Moore affida la
produzione, così come gli arrangiamenti, a Beck.

Demolished Thoughts è un disco intimo ed acustico,
estremamente elegante, in cui spiccano armonie pacate,
create da un sezione di strumenti a corde di notevole
qualità stilistica.

Moore, chitarra e voce, è accompagnato da Samara
Lubelski, violino; Mary Lattimore, arpa; Beck Hansen,
synth, voce e basso; Bram Inscore, basso e Joey Waronker
alle percussioni.

Moore ha evitato la tensione ed il rumore in questo
nuovo capitolo di una carriera ormai trentennale; il
suono è molto introspettivo e le liriche estremamente
suggestive.

Sullo sfondo una tessitura di chitarre che risuona in
modo cristallino donandoci un autore nel pieno della
forma espressiva e compostiva.

L'influenza di Beck è molto discreta anche se la sua
presenza è determinante nel risultato finale di Demolished
Toughts, caratterizzato da toni esistenzialisti e
contemplativi.

Musica celestiale e spirituale, appassionata e a volte
aggressiva, come nella song Space.

Demolished Thoughts è un stupendo ed intenso disco di
rock acustico.

Certamente tra gli album più belli dell'anno a finire.

The Catalogue: Television/ Marquee Moon

2011-10-24T17:50:00.012+02:00

All' inizio degli anni settanta New York City è il luogo
dove i fermenti intellettuali più evoluti si incontrano e
si manifestano in modo più nitido.

L’insegnamento dei Velvet Underground è fondamentale per
comprendere , musicalmente, l’evoluzione che, dal punk, si
tradurrà nella maturazione stilistica della new wave.
Television, "punk nel punk", sono tra gli iniziatori di tale
movimento.

Essi sono i cantori del disagio moderno e della emarginazione
urbana. Sono i figli naturali dei Velvet Underground, ma
rendono attuale l’isegnamento di questi attraverso una
originale e personalissima visione della composizione.
Lineari architetture sonore, quasi liquide nella loro fattura,
mai sperimentate prima in forma così geometricamente limpida,
trovano attuazione attraverso le loro intuizioni stilistiche.

Danno alla luce due opere di immenso spessore poetico, che
raggiungono l’apice della bellezza.
Il loro innato e spiccato gusto per la perfezione strutturale
compositiva è assolutamente percepibile, prima in Marquee Moon
e poi in Adventure.

Due lavori complementari, che alimentano vicendevolmente la
propia ragione di essere. Ambigui poeti decadenti, filosofi
suburbani, hanno tradotto in musica gli aspetti emozionali del
Punk, non sposandone, però, i tanti eccessi esteriori,
distaccandosi quasi da un aspetto fisico troppo forte per la
loro istintiva essenza artistica, caratterizzata da atmosfere
delicate alimentate da un senso di attesa che scaturisce nella
perfezione estetica.

Il quartetto è formato da Tom Verlaine, leader indiscusso ed
amante della poesia francese dell’ottocento, Rchard Lloyd,
Fred Smith e Billy Ficca; determinanti le frequentazioni dei
quattro con Brian Eno.

I Television rappresentano il lato spiccatamente intellettuale
delle correnti musicali newyorkesi di quel tempo; lo fanno
senza compromessi, esprimono una visione realistica e poetica,
fantasticando ed accentuando le forme e la realtà.

Nel 1977 la band da vita a Marquee Moon, patrimonio artistico
dell’umanità.

Si tratta di un disco dalla bellezza così intensa da lasciare
senza fiato.

Maruee Moon è un'opera squisitamente simbolica, perfetta sotto
ogni punto di vista.
Tom Verlaine e compagni riescono a tradurre con razionalità ed
in modo disilluso, le attese di un’ epoca, di una generazione.
Ciò che dai sogni non si è tramutato in realtà.

I Television non propongono soluzioni, no, essi illustrano
poeticamente soltanto i mali che affliggono i nostri tempi.

L’accettazione di ciò che è.

Fraseggi di chitarra dai ritmi essenziali si evolvono in un
susseguirsi di visioni piramidali maestosamente cesellate
in spazi illimitati.

La musica è ipnotica, isterica ma anche ammaliante.

Marquee Moon è il disco con il quale molti sogni sono cominciati,
è il manifesto di un modo di essere; è l’icona espressiva legittima
degli anni settanta.

Adventure, secondo album dei quattro, vede la luce forse non nel
momento desiderato dagli autori; ossia, sono tante e troppo forti
le pressioni della casa discografica affinchè il disco venga
pubblicato che le aspettative commerciali finali non sono
quelle sperate dalla Elektra, una divione della WEA.

Ma il tempo rende onore e la rivalutazione di Adventure,
se mai si possa parlare di sottovalutazione, è la più efficace
delle gratificazioni; il lavoro è anch'esso una pietra miliare
della storia della musica. Maturo, elegante, geniale.

Ma è anche la fine dei Television.

Troppo forte ed intensa l'esperienza vissuta dal fragile Tom Verlaine.
La sua delicatezza emotiva non sopporta il surrogato della notorietà.
The Case is Closed...come loro stesssi cantano. Tutto ciò che viene dopo,
sotto forma di progetti solisti, ancorchè pregevole, non regge il
confronto con quanto detto dalla band newyorkese nel suo insieme.

Le opere soliste di Verlaine sono un collage di momenti più o meno
meritevoli, che riescono, comunque, solo a tratti, a dare vita a
qualcosa di indimenticabile.

Keith Lowe Interview

2011-10-23T12:58:00.004+02:00

Keith Lowe è uno dei bassisti più geniali nell'ambito della
musica contemporanea. In oltre trenta anni di esperienza
professionale ha avuto modo di venire a contatto con diversi
nomi di assoluto spessore creativo.

Come egli stesso dice "non ha ancora suonato della musica che non
lo entusiasmasse, magari solo perchè fortunato"; noi crediamo che
sia la sua poliedricità a farlo apprezzare da molti grandi artisti.
Suona indifferentemente e con la stessa naturalezza in una blues
band così come in un progetto ambient o elettronico, o jazz etc...

Ho avuto il piacere di assistere all'ultimo concerto parigino di
David Sylvian alla Cigale*; Keith Lowe al basso rendeva magica
ogni nota, come magica è stata tutta l'atmosfera vissuta quella notte.
Quella che segue è una conversazione con Keith; la sua genuinità
e spontaneità scaturisce da ogni sua affermazione.

Chi è Keith Lowe

Sono bassista e contrabbassista e vengo da Seattle, Washington,
Nord-Ovest degli States. Essenzialmente sono un musicista freelance,
ed ho avuto la possibilità di registrare e partecipare a tour con
alcuni dei musicisti più talentuosi del momento, inclusi David
Sylvian, Bill Frisell, Fiona Apple, Wayne Horvitz.

Quali sono i tuoi musicisti favoriti.

Ho molte influenze e tanti musicisti che preferisco...Brian Eno, David
Sylvian, Bill Frisell, Wayne Horvitz, Miles Davis, and Harold Budd.

Musicalmente stiamo vivendo un periodo di transizione; credi che
internet e le nuove tecnologie hanno influenzato la musica del
nostro tempo e cosa pensi della musica contemporanea.

Attraverso internet credo ci siano tante nuove opportunità per
produrre e distribuire musica. Il ruolo delle majors e dei grandi
studi sono stati compromessi e penso sia un fatto positivo. Più
gente può fare musica senza essere influenzata dalle grandi compagnie
che vogliono fare musica commerciale soltanto per il fine economico.
Per quanto riguarda la musica contemporanea, non ascolto molta radio,
così non so esattamente cosa ci sia di nuovo in quest'ambito, ma ho
ascoltato alcune cose nuove veramente buone. Da quando è così facile
fare musica è così difficoltoso trovare buona qualità, richiede tanto
sforzo!

Cosa suggeriresti ad un giovane musicista.

Ascoltare e suonare quanta più musica possibile con quanta più gente
possibile.

Tu sei un ricercato session man, la tua esperienza è molto ampia,
così ti chiedo se hai un progetto, ovvero mi chiedo se è possibile
ascoltare presto un tuo lavoro solista.

Adesso sto lavorando ad un progetto ambient, con altre due persone.
Non dirò nomi ancora, ma se tutto va bene qualcosa uscirà presto.
Sono pure nella pianificazione di un'altra registrazione che
avrà alcuni ospiti e collaboratori veramente speciali e dovrebbe
essere un po più basato su canzoni del progetto prima menzionato.
Comunque tutte le news saranno disponibili nel mio website
www.keithlowe.net

* The World Is Everything Tour- 2007

The Catalogue: Telefon Tel Aviv / Immolate Yourself

2011-10-23T00:33:00.011+02:00

Esprimere le proprie emozioni è un atto intimo che, spesso, le nostre parole non sono in grado di concettualizzare. Siamo proprio noi, probabilmente, a non volere condividere immagini e visioni che appartengono naturalmente a qualcosa che è stato; momenti legati spiritualmente e fisicamente al nostro essere in divenire.

Soltanto attraverso l'arte possono essere rappresentate le infinite suggestioni insite nei luoghi più profondi della nostra anima.

L'arte in genere, e la musica in particolare, è caratterizzatada continuee e poliedriche evoluzioni intellettuali.

La musica attuale è pervasa da molteplici fermenti espressivi. Nuove tendenze attingono da un passato non tanto remoto, determinando episodi estremamente ricchi di stimoli culturali che si ergono a fonte inesauribile di ispirazione creativa.

Telefon Tel Aviv è stato tutto questo e molto di più; il fato avverso ha però decretato prematuramente la fine di una storia nel pieno della sua maturità propositiva. Il 22 gennaio 2009, infatti, due giorni dopo della pubblicazione del terzo dei loro dischi, Immolate Yourself, veniva a mancare, per circostanze non del tutto chiare, Charles Cooper, che, con Joshua Eustis, costituiva Telefon Tel Aviv.

Il duo di New Orleans, formatosi nel 1999, ha dato vita, durante la propria attività, ad una delle più eccitanti ed originali esperienze di wave elettronica, una sorta di ambient techno molto elegante, esteticamente considerevole nel suo risultato finale.

Charles Cooper e Joshua Eustis sono anche noti per aver remixato brani di Apparat, Bebel Gilberto e Nine Inch Nails.

Anekdoten Interview

2011-10-22T23:47:00.005+02:00

Sono stati definiti i nuovi King Crimson ed il
paragone non è certamente azzardato. Anekdoten
è un quartetto svedese formato da Jan Erik
Liljestrom, basso e voce; Nicklas Berg, voce e
chitarra, mellotron e vibrafono; Peter Nordins,
batteria, cimbali, vibrafono, Anna Sofi Dahlberg,
mellotron, voce, pianoforte ed organo; collabora,
al flauto, Gunnar Bergsten.

La musica creata dalla band è intrisa di variopinte
immagini evocative tipiche di cristallini paesaggi
nordici dove il concetto si spazio si dilata
all'inverosimile.

Abbiamo intervistato la band, e quello che segue è
il risultato della nostra conversazione.

Dite qualcosa degli Anekdoten

Siamo quattro persone che hanno cominciato a suonare
insieme nel 1991.
La maggior parte di noi prima aveva suonato heavy
metal e rock duro, ma in questa nuova veste volevamo
provare ad esplorare più il mondo progressive.
Inizialmente abbiamo interpretato alcune covers dei
King Crimson e subito dopo abbiamo cominciato a scrivere
materiale originale sempre vicino allo stesso ambito.
Attraverso gli anni abbiamo fatto nostre sempre più
influenze musicali.
Siamo estremamente indipendenti e produciamo,
realizziamo e distribuiamo autonomamente il nostro lavoro.
E' bellissimo fare ciò che desideriamo senza venire a
compromessi con altri.

Siete stati definiti i nuovi King Crimson; quali sono
le influenze che vi hanno maggiormente influenzato;
nella vostra musica emerge in modo nitido un
background progressive

Grazie!!! Quello dei King Crimson è un importante
riferimento.
Ciascuno di noi ascolta cose differenti, per quanto
riguarda me- Peter- ascolto una grande quantità di
artisti: Magma, VDGG, Genesis, Fläsket Brinner,
Bo Hansson, Björk, PJ Harvey, Tori Amos, Zero 7,
Popol Vuh, Museo Rosenbach, PFM, Osanna, Banco,
Black Sabbath, Comus, Emma Nordenstam...
Quando iniziai ad ascoltare- dice Jan Erik- musica,
amavo i Beach Boys e The Beatles.
Nei primi anni 80 ascoltavo esclusivamente heavy rock/
heavy metal.
Nel 1982 fui colpito tantissimo dai Jethro Tull e poco
dopo continuai ad ascoltare tutti i grandi del prog
anni 70.
Da quel momento ho continuato ad esplorare vari generi
differenti tra loro. Ma tutt'ora heavy metal e progressive
sono sempre una parte immortale nel mio mp3.
E' interessante riuscire ad unire influenze di vario
tipo nella musica degli Ankedoten.
Anche se alcuni "puristi" potrebbero opporsi a tale
comportamento, credo che sia essenziale per dare un
interesse alla musica e farla vivere.

Cosa pensate della musica di oggi.

Mi dispiace dire che io non ascolto- Jan- molta nuova
musica al momento.
Mi può capitare di ascoltare gruppi molto belli, navigando
nella rete o tramite i consigli dei miei amici.
Mi piace molto In Rainbow dei Radiohead e Tio Bitar
dei Dungen. Midlake è stata una grande scoperta.

Thanks to Natasha Marchetti

Albums Autunnali

2011-10-21T18:34:00.005+02:00

Dead Can Dance/ Dead Can Dance

Devics/ The Stars at Saint Andrea

Felt/ Crumbling the Antiseptic Beauty

Gavin Friday/ Each Man Kills The Thing He Loves

Josef K/ Only Fan In Town

Minimal Compact/ Deadly Weapons

Minox/ Lazare

Telefon Tel Aviv/ Immolate Yourself

The Cure/ Faith

The Notwist/ Neon Golden

Anna Domino Interview

2011-10-21T14:13:00.010+02:00

E' il suono del crepuscolo, delle stagioni, sublime eleganza
e luce soprannaturale, qualcosa da cui non vorremmo mai
svegliarci. Anna Domino è autrice di immagini senza tempo,
di storie malinconiche ed oniriche.
La natura della cosmopolita songwriter, rintracciabile nella
sua musica, è caratterizzata da estrema limpidezza e naturalezza.

Parlami della tua attività artistica recente

Bene, speriamo di pubblicare il nuovo Snakefarm
entro la fine dell'anno, se possibile.
Fino allora spero di rientrare in possesso del mio
catalogo, così da poter fare uscire nuove canzoni
sotto il nome di Anna Domino per l'anno prossimo

Come sei arrivata a Brussels; come era il rapporto
con altri musicisti della scena belga di quel tempo
e, specialmente, eri soddisfatta del lavoro de
"Les Disques du Crepuscule"

Venni in Europa a lavorare su invito di Michel Duval
che gestiva Crepuscule Records con base a Bruxelles.
Duval mi aveva incontrata a New York, in un club dove
la mia amica Miranda- Thick Pigeon, Miranda Dali ndr-
ci aveva presentati. Avevo lavorato per anni su canzoncine
strane usando qualsiasi tipo di attrezzatura che potevo
prendere a prestito o scroccare a qualcuno, ma non avevo
una band, ero sola con i miei limiti. Inviai una nastro
con del mio materiale a Duval e mesi dopo ricevetti una
telefonata, Poi ricevetti un biglietto aereo e così mi
ritrovai per caso nell'ufficio di Les Disques du Crepuscule,
nella squallida zona Sud della Bruxelles dell'epoca.
Mi misero subito all'opera in uno studio che era ancora
una mezza rovina, Daylight, che aveva ancora ridicoli ma
gravissimi problemi di schermatura elettrica. Cosicchè,
quando suonavo la chitarra o il basso, dovevo tenerli
legati alla gamba per evitare ronzii. Lavoravo dopo le
ore regolari, dalle 10 di sera all'alba, e Duval mi
diede 6 giorni per registrare un album. Mi mandava anche
chiunque pensava mi potesse essere di aiuto.
Ogni giorno si presentavano musicisti, aspiranti produttori,
turisti che parlavano un inglese scorretto.
Alcuni restavano, altri avevano solo qualche ora di tempo.
Io scrivevo le parti per chiunque fosse disponibile, fiati,
imitazioni di uccelli, percussioni...Virginia Astley venne
a suonare il piano, con mia grande gioia e Blaine Reininger
suonò furiose parti di violino che amo ancora.
Il produttore, Gilles Martin, sostituì il fonico originario
quando se ne andò, e divenne un mio buon amico.
Chiaramente impiegammo più dei 6 giorni a disposizione, ma
venne il giorno in cui fummo costretti a smettere.
Non avevo l'impressione che il disco fosse compiuto, ma non
ero capace di fronteggiare le rovinose condizioni di caos,
musicisti che cambiavano in continuazione, e uno studio di
incisione che voleva assolutamente buttarci fuori.
Così Crepuscule staccò la spina e tutto finì.
Mi ricordo che ero all'ufficio di Duval, annegata nelle
mie lacrime, che imploravo di avere una seconda opportunità
di registrare. Egli rimase impassibile, come al solito.
Poi tornai a casa

Quali figure ti hanno, artisticamente, maggiormente influenzato

Cominciai ad adorare la musica nella mia infanzia, quando i
miei genitori si resero conto che Mahalia Jackson mi faceva
smettere di piangere.Al tempo in cui mi traferii a Bruxelles
i miei eroi erano: Patti Smith, Brian Eno, Odetta, Zapp,
Television, Gary Numan, Virginia Astley, Al Green, Nico,
Lou Reed, Aretha Franklin, naturalmente, Nick Cave, Tuxedomoon
e...dimentico Brian Eno? Eno viveva sulla mia stessa strada di
fronte alla mia abitazione a New York City, lo incontravo spesso
al Mudd Club.
Uscivamo dal club, camminavamo in direzione Washington Square,
e lo ascoltavo per ore parlare di registrazioni, suoni,
strumenti musicali, film, e della vita. Erano tempi grandiosi
per chi viveva in quella città!

Non credi che se tu avessi suonato più dal vivo, avresti
acquisito molta più notorietà

L'unico vero tour dal vivo che riuscimmo a fare fu nel 1986.
Ciò che accadeva abitualmente era che a metà delle prove la
tourneè veniva cancellata.
La Crepuscule non aveva mai soldi per fare nulla, così il
denaro doveva provenire dai sussidi esteri. Abbiamo suonato
in Giappone diverse volte, ma questo è quanto.
Non è che non volessi suonare, solo che la Crepuscule non
ci metteva in programma da nessuna parte. Nessuno può
ingaggiare una band e fonici e organizzare una
tourneè senza aiuto alcuno. Ci vuole un team per fare
qualunque cosa in questo campo, e la Crepuscule era semplicemente
isolata. Il pesce grosso Duval acchiappava
solitario nel suo piccolo stagno oscuro

Trovo che il lavoro svolto da LTM sia molto positivo;
la live performance giapponese contenuta nella riedizione
in CD di East and West racchiude, credo, una delle tue
più grandi esecuzioni... mi riferisco alla live version
di Caught, condividi questa mia immagine

E' grandioso sentire buoni commenti sul lavoro della LTM.
James mi piace davvero, e spero di continuare a lavorare
con lui. Il punto è che non ascolto mai ciò che faccio
finchè non è finito. Forse un giorno riuscirò a considerare
in maniera imparziale il periodo della Crepuscule, ma non
ci riesco ancora. Così confido nella gentilezza e discrezione
di James e della LTM. L'ultimo lavoro che feci per la
Crepuscule fu nel 1990, 'Mysteries of America'. Poco dopo
mi resi conto che tutti i miei diritti di edizione ed il
mio intero catalogo mi erano stati sottratti dalla Crepuscule
e il suo partner. Da allora, non sono stata capace di far
uscire un'altro album di Anna Domino, ma le canzoni si
accatastano. Posseggo oceani di materiale e continuo a
reclamare il mio catalogo dai miei vecchi datori di lavoro,
vivo nella speranza... D'altro canto, dal 1999 fino a oggi
ho lavorato a una serie di registrazioni di ballads
tradizionali americane con mio marito, Michel Delory,
reinterpretandole. Ci siamo presi molte libertà con questi
brani classici, ma è più divertente di quanto potessi
immaginare. Abbiamo pubblicato la prima serie sotto il nome
di 'Snakefarm', intitolandola Songs from my Funeral .
La prossima è quasi finita, è solo una questione di scegliere
come pubblicarlo. Dobbiamo parlare con molte persone circa
le nostre possibilità

Come vivi il tempo attuale, ossia spiritualmente, emozionalmente;
c'è qualcosa che ti appassiona, voglio dire, non trovi che la
scena sia sempre così monotona, che i media hanno appiattito
gran parte delle idee artistiche contemporanee.

I nostri giorni sono uno dei periodi più eccitanti per la
musica di tutta la storia. C'è un sacco di buona musica ogni
giorno, e la ascoltiamo da ogni parte del mondo, non solo da
tre label di New York. Certamente il mainstream è scontato,
ma questo sta nella natura stessa del mondo musicale.
E' solo business. Credevo che l'unica vera differenza tra
una major e un'etichetta indipendente consistesse nell'afflusso
del contante. Ma ora gli artisti possono raggiungere direttamente
il loro pubblico. C'è ancora bisogno delle label per la
distribuzione, ma ora si deve riconsiderare il ruolo del
management, come pure il paradigma degli alti profitti, e siamo
già fuori tempo limite!

Che rapporto dovrebbe mantenere con il denaro un
artista per fare in modo di restare se stesso

Il denaro non è niente di più o di meno che la sopravvivenza.
Non è la vita, ma è estremamente necessario per vivere.
Far finta che non sia necessario è solo una presa in giro;
io mi arrabbiavo molto con alcuni miei colleghi musicisti
negli anni '80, facevano musica per la pubblicità in Giappone.
Io ero giovane e mi piaceva litigare, ed ero anche piuttosto
invidiosa. E' importante se Arto Lindsay fa lo spot per una
nuova automobile? I musicisti di successo sono in grado di
lavorare e fare ciò che a loro piace, alcuni sono frenati
dalle label che vogliono la stessa solfa ripetuta mille
volte, altri, come i NIN, tracciano un canmmino personale,
ispirando così altri come noi a fare la stessa cosa.
I musicisti giovani di oggi non considerano la grande
differenza tracciata dalla mia generazione. Sono più
pragmatici e sanno che devono fare le prove, e essere
puntuali, spingere il proprio prodotto sul mercato, e
coltivare i propri pregi, e che il vecchio paradigma di
volere il successo a tutti i costi, anche danneggiando
gli altri, non porta alla felicità. Ciò che desidero di
più è capire, specialmente le cose di cui ho più paura.
Ho vissuto lunghi periodi della vita in luoghi oscuri
mi ero fatta da sola, e non so ancora che cosa significa ciò,
o perchè la vita può essere così splendida e anche così orribile.
E' probabilmente soltanto il solito dilemma esistenziale.
Davvero desidero un assistente.
Quando terminai la mia canzone "Lake", la feci ascoltare
ad un'amica, e lei si mise a piangere; un'altra amica disse
che gli piaceva ascoltare la mia musica mentre faceva un
lungo bagno caldo. Io so che cosa significa la musica per
me quando la scrivo, ma quando va fuori significa cose
diverse per ognuno. Alcuni sono colpiti dall'umorismo,
altri dal pathos, ad altri piacciono le melodie.
Ma sognare è la nostra condizione più aperta ed innocente,
e se la mia musica vi fa sognare, allora sono davvero felice.

Intervista realizzata qualche anno fà; non sappiamo se,
nel frattempo, Anna Domino sia rientrata in possesso
del proprio catalogo

i wish to thank Melo Mafali

The Catalogue: Cocteau Twins/ Lullabies To Violaine

2011-10-20T19:31:00.008+02:00

I Cocteau Twins sono artefici di un elettro pop
etereo e crepuscolare tipico di una certa dark
wave romantica degli anni 80.

"Lullabie To Violaine" è un 4 Cd box set antologico
che contiene brani composti tra il 1982 ed il 1996.

Tendenzialmente il suono del trio scozzese propone
una notevole gamma di colori e ritimi provenienti
da varie esperienze musicali, comunque europee.

Li ricordiamo con Harold Budd in uno dei gioielli
della musica colta contemporanea, The Moon and the Melodies.

L'ensamble ha esordito nel 1982 con "Garlands", album
cupo e malinconico di estrema bellezza.

Sulle suggestive armonie create da Robin Guthrie,
chitarra e tastiere e Will Heggie al basso, sostituito
in seguito da Simon Raymonde, si erge l'ammaliante e
vellutata voce di Elizabeth Frazer.

Elizabeth Frazer e Robin Gutrie non sono soltanto
l'anima dei Cocteau Twins, ma hanno dato, insieme
ad altri artisti della 4AD, un fondamentale impulso
ad uno dei progetti più importanti della musica colta
degli ultimi decenni, ossia This Mortal Coil.

La versione di Song to the Siren, di Tim Buckley,
contenuta in It'll End in Tears, eseguita dal
duo Frazer- Guthrie, genera sfuggenti visioni,
possibili esclusivamente in dimensioni paradisiache
che appartengono ai momenti più intimi dei nostri cuori.

"Lullabie To Violaine" racchiude singoli altrimenti
poco reperibili, extended plays e versioni acustiche
di brani più o meno noti.

Il Box è stato pubblicato in edizione limitata ed è
questo l'unico peccato di un'opera assolutamente
soddisfacente.

Ma la gioia che il suo ascolto genera è un motivo sufficiente
per tentare di entrarne in possesso.

Discografia essenziale

Garlands 1982
Head Over Heels 1983
Treasure 1984
Victorialand 1986
Blue Bell Knoll 1988
The Box Set- Singles Collection- 1991
From Lullabie To Violaine- singles and b-side- 2005

Related Artists

Harold Budd, Dif Juz, This Mortal Coil

The Catalogue: Durutti Column/ LC

2011-10-19T20:14:00.008+02:00

Dovessimo un giorno essere costretti a vivere in un mondo
senza sfumature, odori e senza fiori, privato di sensibiltà e
delicatezza, sottomesso al controllo completo della macchina
sulla nostra spiritualità, il nome di Vini Reilly, in arte
Durutti Column, è una delle cose che resterebbero sul fondo
di un'urna segreta e sonora.

LC, pubblicato dalla Factory nel 1981, vede importanti
cambiamenti nella gestione del suono che Reilly desidera
esprimere; non è più presente, infatti, la figura
predominante del produttore Martin Hannett.
Fondamentale il contributo del percussionista Bruce Mitchell.

LC è una esperienza melodica distaccata da ogni cosa, note
rese mobili, tiepide e semplici, da minimali intrecci
chitarristici, con le appena accennate e magiche percussioni
di Mitchell a fare da sfondo.

Vini Reilly è una figura fuori dagli schemi musicali dei
primi anni ottanta.

LC è un quadro dai contorni e dai colori estremamente tenui;
tinte pastello che ci trasportanto emotivamente in un solare
paesaggio pomeridiano autunnale.

Una velata malinconia pervade ogni singolo momento dell'album.

The Missing Boy è una song dai toni struggentemente contemplativi
e fugaci.

LC è l'ideale colonna sonora di visioni e sogni, appartenenti
al nostro mondo interiore, vissuti ora intensamente, ora in
modo effimero e fragile.

Pietra miliare della musica colta contemporanea.

Tibet: ondata di immolazioni, ben 5 in un mese

2011-10-18T17:17:00.005+02:00

Protesta contro la vergognosa occupazione cinese, per il ritorno del Dalai Lama

Nove tibetani, cinque solo dall'inizio di ottobre, tra cui, da
ultimo, anche una monaca, si sono dati fuoco per protestare
contro l'occupazione cinese del Tibet, chiedendone l'indipendenza
e il ritorno del Dalai Lama. In risposta il governo cinese ha
inviato oltre 20.000 agenti nella zona per 'rieducazione',
distribuendo bandiere e immagini dei leader cinesi.
Intanto la tensione nella regione autonoma tibetana cinese e nella
provincia cinese del Sichuan, teatro delle immolazioni, sale.

Ansa

Arirang- Regia: Kim Ki-Duk

2011-10-18T14:17:00.001+02:00

Interpreti: Kim Ki-Duk; Durata: h 1.45; Nazionalità: Corea del Sud 2011;
Genere: Documentario

Non è facile esprimere un giudizio riguardo l'ultima fatica,
è il caso di dirlo, del Coreano Kim Ki-duk.
Travestito da docufilm, "Arirang", si presenta come vero e
proprio foglietto illustrativo, appendice esplicativa di un
passato inquieto e turbolento. "Istruzioni per l'uso", insomma,
dove "Cinema" sta per cura da qualsiasi male.

Durante le riprese del precedente, e poco ispirato, "Dream",
2008, un grave incidente mise a repentaglio la vita di una
attrice producendo duri effetti collaterali sulla psiche
del regista stesso, tanto da costringerlo ad allontanarsi
dal suo mondo di cellulosa, abbracciando una vita di
solitudine e penitenza.
Adesso è solo con se stesso, in se stesso.
Kim Ki-duk si concede alla telecamera digitale, unica sua
amica insieme alle cianfrusaglie presenti nella baracca,
nella quale vive ormai da anni, in maniera del tutto naturale.

Il Regista è nudo davanti al Regista stesso, divenendo allo
contempo mente e corpo della pellicola.
Si confida, piange, ride di se, dividendosi in una triplice
identità (Es, Io e Superio), trasportata dal tipico canto Coreano,
l'Arirang appunto, filo conduttore della pellicola. La voce
è straziata, logorata, addolorata, pacata. Un lungo percorso
d'espiazione per chiarire se stesso al se, come ad uno specchio.

La strada condurrà all'inevitabile disintegrazione del passato.
Il totale abbattimento delle fondamenta di una costruzione
ormai in rovina. Lo sfacelo di un corpo. Tabula rasa sul
vecchio, terreno fertile per il futuro. La rinascita.
Il Regista mette in luce un'attenta e chiarissima chiave
di lettura del proprio Cinema. Il confronto con se stesso
evidenzia quanto i 14 protagonisti dei suoi lungometraggi
gli appartengano: la tripartizione del proprio essere-
Vasumitra, Samaria e Sonata, i tre capitoli de "La Samaritana"-,
la meticolosità nel riparare apparecchiature- "Ferro3,
La Casa Vuota"-, la volontà di poter essere allo stesso
tempo buono o cattivo, proprio come un animale selvaggio
- "Crocodile", "Wild Animals", "Bad Guy", "Address Unknown"-
riscoprendo quanto possa apparir semplice la prima e complessa
la seconda ("Real Fiction") -, la continua ricerca di un luogo
di benessere, redenzione o pace interiore- "Primavera, Estate,
Autunno, Inverno... e ancora Primavera", "Birdcage-Inn",
"The Coast Guard", "L'Arco", "Time", "Soffio"- spesso,
infatti, si chiede se continuerà a vivere in quella catapecchia,
in quella precarietà. L'incondizionata voglia di ricerca si
evince proprio nel momento in cui Kim Ki-duk, il Regista,
piange guardando il proprio doppio cinematografico superare
la fatica per ritrovare la tranquillità spirituale.
E' evidente come egli stesso, allontanatosi dalla dimensione
cinematografica, trovi l'unica via di fuga nel Cinema stesso.
E', dunque, vitale morire appesi all'amo del proprio Cinema-
"Seom - L'isola".
Una vita per esso, "in assenza di questo, filmo me stesso".

Voto: 6
Vik

A Dangerous Method- Regia: David Cronenberg

2011-10-17T23:33:00.000+02:00

Interpreti: Michael Fassbender, Keira Knightley, Viggo Mortensen,
Vincent Cassel, Sara Gadon, Katharina Palm, André Dietz, Andrea
Magro, Bjorn Geske, Christian Serritiello.
Durata: h 1.33 Nazionalità: Gran Bretagna, Canada, Germania 2011
Genere: drammatico

Cronenberg ci ha abituati ad un Cinema nervosamente psicologico,
cerebrale, convulso, decisamente viscerale e strettamente
legato ad una certa "ossessione per la carne", e lo ha sempre
fatto in maniera magistrale, senza dare adito ad avarizia alcuna;
questo suo ultimo lavoro, invece, spiazza proprio per la sua
inaspettata linearità. "A Dangerous Method" è un film storico e
prettamente teorico, tanto da esternare una vena di estrema algidità
clinica, che ripercorre un tema molto caro al Regista,
visti i suoi precedenti, la psicoanalisi.

Seguiremo, quindi, la messa in atto del metodo Freudiano, da parte
dello svizzero Carl Gustav Jung, e le vicissitudini della futura
psicoanalista russa, Sabina Spielrein (Keira Knightley), entrata
inevitabilmente in contatto con i due fronti di pensiero, contrari
ed affini, che, nei primi del '900, apriranno un'immensa porta al
mondo della Scienza.

Gli endoscopici ed eccelsi dialoghi, sulla quale è imperniata la
pellicola, e la staticità delle riprese, allontanano il prodotto
da un pubblico eterogeneo, circoscrivendolo ad uno spettatore più
attento ed interessato al tema.

Un notevole dubbio scaturisce dalle interpretazioni, in particolare,
nella duplicità della Spielrein. Certamente egregia è l'esecuzione
della Knightley prima che il turbolento Jung (Michael Fassbender)
applichi su di lei il metodo Freudiano, dimostrando d'essere
un'attrice ben più dotata di quanto c'abbia mostrato la Disney
con i suoi stanchi galeoni Caraibici; appare, invece, sottotono
e monocorde una volta emersa a nuova vita. Poco convincenti
Fassbender e Mortensen- il quale sfoggia un Freud quantomai anonimo-.
In definitiva, il poco sentito "A Dangerous Method", intaccato
ulteriormente da un fare ingiustamente frettoloso, convince a tratti e,
pur mostrandosi particolarmente attento agli avvenimenti storici,
si piazza come uno dei punti più anonimi della cinematografia
"Cronenberghiana".

Poco Cronenberg troppo Faenza ("Prendimi l'Anima").

Voto: 5½
Vik

Tuxedomoon Never Ending Story

2011-10-17T23:06:00.013+02:00

Formatasi nel 1977 in S. Francisco, Tuxedomoon è stata la band, con i Residents, ad aver dato inizio alla scena new wave californiana.

Con gli anni sono stati più di dodici i membri che hanno contribuito a realizzare i progetti artistici dell'ensamble.

Le liriche evidenziano l'interesse per i dilemmi socio-politico-comunicativi che tanto affliggono l'individuo moderno; la loro è musica che trae spunto dalla cupa e vuota modernità metropolitana; "La scena è sempre la stessa", cantano in Holy Wars.

Steven Brown, Peter Principle, Blaine L. Reininger, Luc Van Lieshout, Bruce Geduldig ed il geniale Winston Tong, hanno dato vita ad una esperienza poliedrica ed imprevedibile, che sfocia nel teatro, nella danza e nell'arte astratta, nella pittura etc.

L'architettura sonora che caratterizza le varie intuizioni compositive è estremamente complessa; in essa vi si trovano i ritmi scarni del minimalismo, i riferimenti, più o meno espliciti, alla musica classica ed al jazz, l'assoluto interesse per l'avanguardia e quello per il pop colto,l'equilibrio armonico e le dissonanze strumentali.

La trasposizione di mai abbandonate velleità teatrali- Divine-è un elemento caratterizzante di proprie idee espressive.

Determinante, specialmente ai fini dell’aspetto scenico, è il gusto per il dramma ed il funereo- The Ghost Sonata-.

Tutto ciò rende il suono del "complesso" una miniera pressochè inesauribile di suggestioni e di spunti geniali, atti a stimolare cuore e corpo.

Le recenti pubblicazioni, "Bardo Hotel Soudtrack", 77o7- box commemorativo per i trenta anni di attività- confermano assolutamente come i Tuxedomoon siano, oggi più che mai, una delle punte di diamante dell'arte contemporanea, e che il loro discorso oltrepassa i limiti ristretti delle categorie per involarsi, libero, in un sogno policromo in cui ogni luogo definito ed identificabile non è altro che la sfaccettatura di una realtà fuori dal tempo e dallo spazio; la loro è la musica del mondo reale e fantastico allo stesso tempo.

Sottili e scarni disegni geometrici confluiscono in un fantasmagorico collage emozionale impressionista.

Ogni show è un affresco di suoni, immagini ed azioni trasposte con tenui e minuziose rifiniture; essenze di armonie semplici e minimali, tramutate in indimenticabili performances multimediali molto sofisticate, che permettono di assimilare ed interiorizzare varie forme di arte.

L'indipendenza dalle majors, ha dato ai Tuxedomoon la possibilità di manifestare il loro immenso talento.

Questa particolarità ha reso il loro stile non catalogabile nell'uniformità del music business.

Definitivamente musica, la loro, che abbatte ogni criterio fisico-temporale e che vivrà fino alla fine del mondo.

Ten Songs To...

2011-10-17T18:01:00.008+02:00

Belle & Sebastian / Like Dylan in the Movies

Bob Dylan / Sara

Dead Can Dance / Ocean

Morrissey / Everyday is Like Sunday

The Cure / Charlotte Sometimes

The Blue Nile / Tinseltown in the Rain

The Stranglers / Midnight Summer Dream

This Mortal Coil / Song to the Siren

Tuxedomoon / The Cage

Wim Mertens / Maximizing the Audiencce

The Catalogue - Madee / Songs From Cydonia

2011-10-17T11:21:00.008+02:00

Tutto ha avuto inizio a Cabrils, Barcelona,nella fertile
terra di Catalunya, dove, gli amici di sempre, Ramon
Rodriguez, Pep Masiques e Lluis Cots danno vita a Madee.
Nel corso degli anni le strade dei tre si incrociano con quelle
di Capi, prima, di Adam Vives dopo, e, infine, di Marc Prat.

I riferimenti culturali della band sono riconducibili alle
migliori tradizioni della musica indipendente attuale; Dream
Syndicate ed Opposition i primi nomi che ci vengono in mente.

Il suono non è mai, comunque,una riproduzione scontata di
esperienze stilistiche più o meno note; ogni momento vive
di luce propria; una magica fusione, la loro, di espressioni
artistiche europee e nordamericane, con in primo piano la
possente ed evocativa voce di Ramon Rodriguez.

Pure gli eterni Sound dell'indimenticato Adrina Borland ed
i romantici Cure di robert Smith rivivono audacemente in
tanti istanti di tale immensa gamma di variopinti intrecci
sonori.

Ascoltare siffatta musica ci porta a viaggiare nella notte,
ci permette di raggiungere posti lontani tanto alenati nei
nostri sogni, magari riproponibili solo in una, più o meno,
intima trasposizione immaginativa.

L'esordio discografico è datato 2002, Songs From Cydonia.

Ritmi ipnotici e colori malinconici, sempre intensamente
rievocativi, rendono possibili immagigini dal sottofondo
ora poderoso ora rarefatto.

"No Remorse" è una song da inserire, senza esitazione, in
una ipotetica top list dei brani più belli di sempre.

"Non c'è più tempo per un'altra interpretazione/ non più bugie/
non cambiare la tua direzione/ non perdere la tua convinzione/
adesso tu vivi/ e questa è la chance/ sii te stesso/ sii
qualcuno/ non piangerai...non c'è più tempo per sentirti annoiato/
non c'è altra via per mostrare le tue bugie/ niente rimorso/
puoi ignorare la tua vita per sentire di più/ puoi farlo da solo/
your sugar addiction is not my invention/ non più bugie/ niente
è perfetto/ così non farmi domande/ adesso stai vivendo e
questa è la tua chance per essere te stesso"

La ricchezza dei colori riscontrabili in "Songs from Cydonia" ci
dona visioni psichedeliche fluttuanti in un tempo indefinito.

Spazio e tempo perdono il proprio valore.

"your sugar addiction is not my invention"- in italiano,
"la tua tossicodipendenza non è una mia invenzione"

Album essenziali

Song From Cydonia 2002
Secret Chambers   2003
Orion's Belt      2004
L'Antarctica      2007

The Catalogue - Nine Horses / Snow Borne Sorrow

2011-10-16T21:27:00.005+02:00

Nine Horse è un progetto di David Sylvian, Steve Jansen e Burnt Friedman. Alla sua realizzazione hanno partecipato diverse figure della musica colta contemporanea; tra queste Arve Henriksen, Stina Nordenstam e Ryuichi Sakamoto al piano.

Nove songs, un'ora di musica meravigliosa e immense visioni soprannaturali.

Snow Borne Sorrow è un disco molto accessibile, Sylvian e Jansen esibiscono una smagliante verve compositiva.Così come nel precedente Blemish, vengono esplorate nuove direzioni musicali caratterizzate da elementi minimali ed evolute improvvisazioni epsressive.

Quello che scaturisce da tali alchimie creative è una variopinta gamma di colori. Le liriche sono pervase da un senso di distacco tipico dell'ultimo Sylvian, quasi una lotta tra dubbi e tentavivi di soluzioni e la constatazione della diffusa difficoltà insita nelle relazioni intime ed interpersonali.

E poi la musica, beh la musica di Snow Borne Sorrow è divina, scorre soavemente creando immagini fluttuanti, autunnali e romantiche. Si è completamente immersi in atmosfere crepuscolari, infarcite da suoni ammalianti, generate da un efficace miscuglio di spunti sperimentali e ritmi di varia natura, dal jazz all'elettronica.

Serotinin è una dance song conturbante ed essenziale. The Banality Of Evil ed Atom And Cell ripropongono schemi interpretativi classici dell'artista britannico che ci fanno rivivere la struggente malinconia di Briliant Trees e Secrets Of The Beehive.

Su tutto, la magica, onirica, affascinante ed evocativa voce di Sylvian che dona un ulteriore tocco di eleganza ad un progetto già di per se esteticamente perfetto.

Assolutamente imperdibile.

The Catalogue- Marquis De Sade

2011-10-14T17:03:00.008+02:00

Marquis De Sade è un gruppo francese formatosi a Rennes nel 1977.
La line-up definitiva è composta da Philippe Pascal, voce; Frank
Darcel, chitarra; Eric Morgen, percussioni; Thierry Alexandre al
basso. Notevole la collaborazione di Philippe Herpin e Daniel
Paboeuf, entrambi al sax.

Dantizig Twist e Rue De Siam gli album realizzati da Philippe
Pascal e compagni.

La musica espressa dalla band è una continua evoluzione di ritmi,
incalzanti trame compositive danno vita ad una tensione melodica
di rara intensità.

Dantzig Twist, disco di esordio, lascia il segno non solo in Francia,
ma anche tra chi non focalizzava i propri ascolti verso la musica
proveniente essenzialmente dal Regno Unito.

Di Fatto l'impatto con Dantzig Twuist è travolgente; armonicamente
l'ensamble da vita ad una sorta di fusione artistica raffinata,
staccata dall’urgenza delle passioni materiali, fatta di preziosismi
e di ricercata cultura, sempre attenta alla forma ed al risultato estetico,
capace di trasportarci in un mondo lontano, ove regna la serenità e la
contemplazione; che ha infine come canone supremo l'ideale
bellezza.

Rue De Siam viene pubblicato nel 1981 ed il missaggio è opera
di Steve Nye; è l'album della maturità, il testamento artistico.
Rispetto a Dantzig Twist è più riflessivo ed introsprettivo.

Tutta la musica dei Marquis De Sade potrebbe essere definita
una idea estremamente originale che mescola influenze dei Velvet
Underground e del periodo berlinese di David Bowie.

Originalissima la coesistenza di due sax, esperienza molto rara
nella new wave di quel tempo.

Come tutte le cose realmente belle, che nascono per dissolversi molto presto,
i Marquis De Sade cessano la loro attività come gruppo nel 1981, dopo il
concepimento di Rue De Siam.

Hammock/ Asleep in the Downlights

2011-10-13T19:33:00.007+02:00

Sarà disponibile al pubblico il prossimo 25 Ottobre il nuovo
lavoro degli statunitensi Hammock.

L'opera sarà stampata come singolo CD e vinile 12"; entrambi
i supporti verranno realizzati in edizione rigorosamente limitata
e numerata.

Due dei quattro brani di Asleep in the Downlights hanno visto la
partecipazione di Steve Kilbey e timEbandit Powles, dei Church.

Hammock è un duo di Nashiville composto da Marc Byrd e Andrew Thompson;
i due artisti nordamericani propongono un ambient post-rock di notevole
qualità stilistica.

Chasing After Shadows...Living with the Ghosts- annieroses 14/9/2011-
è un disco folgorante; pop d'avanguardia etereo, cristallino, onirico.

Asleep in the Downlights è un ennessimo momento di una magica e
attualissima esperienza musicale.

Discografia
Kenotic- 2005
Stranded Under Endless Sky EP- 2005
The Sleepover Series, Vol. 1- 2006
Raising Your Voice...Trying to Stop an Echo- 2006
Maybe They Will Sing for Us Tomorrow- 2008
Chasing After Shadows...Living with the Ghosts- 2010
Outtakes : Chasing After Shadows...Living with the Ghosts- 2010
North West East South EP- 2010
Longest Year EP- 2010

The Names - Calcutta

2011-10-12T10:11:00.000+02:00

Factories...but ruins are
Centuries...but ruins are
Batteries...but ruins are
Harmonies...but ruins are

Why can't you see through me
Why can't you see trhough me

Calcutta keeps me silent

Strategies...but ruins are
Comedies...but ruins are
Machineries...but ruins are
Tragedies...but ruins are

Why can't you see through me
Why can't you see through me

Calcutta...keeps me silent

Album da ricordare

2011-10-12T01:00:00.007+02:00

AA.VV. / Some Of The Interesting Things You'll See On A Long-Distance Flight

Devotchka / 100 Lovers

Joni Mitchell / Blue

Kruder Dorfmeister / The K&D Sessions

Lisa Germano / Geek The Girl

Marquise De Sade / Rue De Siam

Morrissey / Bona Drag

Pure Reason Revolution / The Dark Third

Ride / Nowhere

Smiths / The Queen Is Dead

Ariel Pink's Haunted Graffiti/ Before Today

2011-10-11T18:43:00.003+02:00

Before Today è il nuovo ed eccitante lavoro di Ariel Pink,
all'anagrafe Ariel Marcus Rosenberg, L.A. 1978,
pubblicato dalla 4AD.

Il giovane compositore californiano è autore di un
magico miscuglio di suoni intriganti, una sorta di
retro pop wave molto naif.

Before Today porta varie novità nel mondo di Rosemberg;
è il primo album per una label indipendente di notevole
spessore, allo stesso tempo l'artista losangelino si avvale
di una band di supporto per realizzare questo disco che è
anche il primo della sua discografia registrato
in uno studio di registrazione ed anche la sua prima opera
in alta fedeltà.

Rosemberg non è un personaggio che gli anglosassoni
definirebbero politically correct.
Prima della pubblicazione di Before Today, in un'intervista
polemica, parlando del decadimento economico occidentale,
della guerra israelo-palestinese, del voodoo del mercato
azionario, asseriva tra l'altro, "Gli ebrei sono i peggiori".

In questo suo ultimo lavoro, Rosemberg, crea atmosfere suggestive
e coinvolgenti; wave romantica molto seducente.
Bright Lit Blue Sky è un brano che soggioga l'ascoltatore
per la sua immensa poeticità armonica e lirica;
"What is the thing, i call my mind, i look for the things
i can't find, why am i so far from the ground"...

Sublime ed incantevole.

The Catalogue: Twin Shadow/ Forget

2011-10-10T12:37:00.005+02:00

Ennesima nuova produzione dell'ormai label multinazionale 4AD. Twin Shadow è il nome d'arte scelto da George Lewis Jr., giovane musicista nordamericano. Nato nella Repubblica Dominicana è cresciuto in Florida, per poi trasferirsi a Boston e, definitavamente, a New York City.

Forget è un godibilissimo e suadente album che da linfa vitale alla scena new wave attuale, è come se fossimo accarezzati da una musica estremamente calda, morbida e non invadente. Era da tempo che non ascoltavo un prodotto così elegantemente confezionato.

Lewis propone sonorità che traggono spunto dalle esperienze più felici degli eighties; Josef K, Pale Fountains etc. Shooting Holes è una pop song dolcissima e maliconicamente evocativa. La voce di Lewis è accattivante ed intensa, una sorta di Morrissey dai toni più soffusi.

Forget, prodotto da Chris Taylor dei Grizzly Bear, è un'opera dalle sofisticate note originate da una base melodica elettro pop raffinata e mai scontata.

Non si può restare impassibili al cospetto di tale perfezione stilistica.

Forget è una esperienza assolutamente indimenticabile ed un disco imprescindibile.

For our dreaming pleasure.

Pure Reason Revolution: The End of a Beautiful Story

2011-10-09T11:27:00.003+02:00

Ogni passione, ogni attimo vissuto con intensità emotiva,
relazioni interpersonali felici, beh la fine di tutto ciò
è inevitabile.

Ciò che è bello non dura fino alla fine del mondo.

La regola vale anche per gli inglesi Pure Reason Revoluion,
che, dopo due albums, uno dei quali, The Dark Third,
ci commosse per la sua assoluta perfezione e ci fece gridare
al miracolo e varie live performances- i PRR hanno tra l'altro
aperto per i Porcupine Tree nel "Tour Of A Blank Planet",
Giugno/Luglio 2007- hanno deciso, come band, di porre
fine a tale scintillante esperienza.

Si esibirrano in U.K. in novembre, sette date già fissate.
PRR è un quartetto formato da Jon Courtney, Chloe Alper,
Jamie Willcox e Paul Glover.

Assolutamente i quattro artisti britannici, hanno creato musica che
si colloca prepotentemente tra i momenti più
belli di sempre della corrente progressive o neopsichedelica.

Amor Vincit Omnia, secondo album dell'ensamble, si distacca dal
precedente The Dark Third; è comunque un disco molto ben confezionato
che evidenzia il coraggio di intraprendere un cambiamento stilistico.

Il risultato è estremamente originale e godibile.

The Catalogue: Morrissey/ Ringleader Of The Tormentos

2011-10-08T01:44:00.003+02:00

Musica per tutte le stagioni quella di Stephen Morrissey;
l'ex leader degli Smiths ci prende per mano, incantandoci con
il suo charme in modo inebriante. Ringleader Of The Tormentos è stato
realizzato a Roma, nell'autunno 2006 e prodotto da Tony Visconti.

Morrissey è emblema di eleganza e di perfezione stilistica estrema;
una esperienza che vorremmo non avesse fine.
L'album segue di due anni, "You Are The Quarry", ennesimo
capitolo superlativo del poeta/musicista inglese. La musica
di Ringleader Of The Tormentos scorre soavemente creando immagini
fluttuanti, autunnali e romantiche.

The Youngest Was The Most Loved è una delle song più affascinanti di sempre.
Ogni lirica è una struggente poesia e rispecchia la natura
di Morrissey.

E' come assistere alla proiezione di un film per i nostri cuori ed il nostro spirito.

Morrissey è un demiurgo che da forma a atmosfere paradisiache,

che invitano alla riflessione ed al sogno.
In "You Have Killed Me", altro brano di superba bellezza, è
illustrato, ricordando Pasolini, il tema della redenzione,
tanto caro a Morrissey.

Definitivamente Ringleader Of The Tormentos propone momenti
di rara magia artistica. Disco di immenso spessore poetico.

Carnage- Regia: Roman Polansky

2011-10-07T18:18:00.000+02:00

Interpreti: Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz, John C. Reilly
Durata: h 1.19 Nazionalità: Francia, Germania, Polonia, Spagna, 2011
Genere: drammatico

Polanski non sbaglia un colpo e, dopo il magnifico e plumbeo
"L'uomo nell'Ombra" (2010), torna sul grande schermo con una
trasposizione cinematografica dell'opera teatrale "Il Dio del Massacro",
di Yasmina Reza.
Un prodotto costruito su riprese taglienti, secche, veloci ed
imprevedibili, incastonate all'interno di un comunissimo salotto
con vista metropolitana-imbarazzante come il Regista, con una telecamera
ed un'unica stanza, sia riuscito, in maniera impeccabile, a rendere
il tutto così fresco e appetibile, distante da qualsivoglia noia sintomatica -.
La dinamicità si riflette negli sguardi e negli intelligenti dialoghi.
Un film ricco di viscerale gestualità, componente teatrale intatta che
si rivela un gradito valore aggiunto. Tutto è al suo posto, ordinato,
come su di un palcoscenico.

"- Zackary Cowen, di 11 anni, armato di un bastone.

- Armato?

- Michael, come si potrebbe dire? Meglio impugnava o che aveva un bastone?

- Aveva, sì."

79 minuti d'essenzialità durante i quali due famiglie borghesi si
confronteranno, ricercando una soluzione, civile e pacifica, al
piccolo inconveniente scoppiato tra i rispettivi figli.
Ecco che, scattato il pretesto, ha inizio la carneficina e, in breve,
le due compagini newyorkesi (Jodie Foster e Christoph Waltz, da una parte,
Kate Winslet e John C. Reilly, dall'altra) si affronteranno sui più
disparati argomenti, mettendo in luce le intime e fragili strutture
delle loro convivenze, rinfacciandosi l'un l'altro, come veri e propri
bambini, le rispettive responsabilità genitoriali e matrimoniali,
sottolineando ogni vocabolo con acidità uterina, ribaltando l'apparente
perbenismo insito nelle famiglie e deviandolo verso una più modesta
mediocrità suburbana. Capovolgimenti repentini e riappacificazioni
farciti da un'ironia fredda, quasi britannica, interpretazioni eccelse
ed una magistrale Kate Winslet, ormai antologica!
«Sono contenta che mio figlio abbia pestato il vostro, e vaffanculo ai
diritti umani», così esordisce "Doodle" Nancy Cowan (Kate Winslet), dopo
aver stravolto la glaciale armonia nel salotto dei Longstreet.
Esplode l'universo erudito, trascinato, dai suoi stessi esponenti, verso
una violenta e grottesca regressione allo stadio infantile. Un godurioso
ed irriverente capolavoro.

Voto: 9

Vik

Sóley Stefánsdóttir Interview

2011-10-07T09:51:00.000+02:00

Parlaci di Te
Sono Soley, sono islandeseed ho 24 anni. Sono una musicista ed allo
stesso tempo studio ed insegno musica e così vivo di musica
quotidianamente. Ho appena realizzato il mio primo album, We Sink; nel
2010 è stato pubblicato il mio Ep, Theater Island.
Vivo in Islanda e faccio parte di altre due band, Seabear e Sin Fang.
Dì qualcosa dell'esperienza Seabear
Ho cominciato in Seabear nel 2007 e da allora abbiamo dato vita ad
un album, We built A Fire. Abbiamo realizzato un tour lo scorso anno
in Usa ed Europa. In questo momento viviamo una sorta di break perchè
ogni membro della band è impeganto in progetti solisti ed altre bands.
Abbiamo Abbiamo in programma di iniziare aprovare e comporre dall'inizio
del prossimo anno.
Per me Seabear è stata una esperienza molto importante; ho avuto
modo di capire cosa voglia dire appartenere ad una pop band ed anche
andare in tour con essa, che non è come si possa pensare! Ho pure
imparato a cantare!
"Sono sempre stata una backing vocals, ed ero sempre molto timida a cantare nel
microfono. Dopo diciamo 2 anni ho finalmente vinto la timidezza
ed ho iniziato ad amare la mia voce!"
Pensi che la tua musica sia ispirata da qualche corrente espressiva attuale
"La mia musica è probabilmente ispirata da qualcosa. Mi piace fare ricreare il
mio mondo quando compongo. Questo mondo è come un circo da sogno, il caos,
le cose surreali e oscure che non potrebbero mai accadere nella vita reale!
Ho letto le poesie del poeta islandese David Stefánsson che è davvero oscuro,
ma bello e mi piace anche Joanna Newsom, gli arrangiamenti delle sue canzoni
e le sue storie."

Parla di We Sink
We Sink è un sogno. E'una storia di un mio mondo immaginario
che non esiste nella vita reale. Un mondo piacevolmente buio e strano; non sto
parlando di morte in modo triste. Come quando sogni qualcosa o sogni di morire,
e poi ti risvegli e ti rendi conto che era solo un sogno.
Chi ascolta We Sink potrebbe provare la stessa sensazione,
ossia svegliarsi alla fine dall'album. We Sink è un circo teatrale surreale.
E adesso cosa hai in programma
Sto suonando molto dal vivo in Islanda; mi esibirò all'Iceland Airwaves,
un grande festival. Spero in dicembre di essere in tour in Europa.

Playlist Tendenziale Ottobre

2011-10-07T00:26:00.000+02:00

Ariel Pink's Haunted Graffiti/ Before Today

Genesis/ The Lamb Lies Down On Brodway

Girls/ Father, Son, Holy Ghost

Mogway/ Hardcore Will Never Die, But You Will.

Morrissey/ Bona Drag

My Morning Jacket/ Circuital

Ride/ Carnival Of Light

Sufjan Stevens/ All Delighted People EP

Thurston Moore/ Demolished Thoughts

Wire/ Red Barked Tree

La Piel Que Habito- Regia: Pedro Almodóvar

2011-10-04T19:39:00.002+02:00

Interpreti: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Blanca Suárez, Eduard Fernández,Fernando Cayo, José Luis Gomez, Jan Cornet, Bárbara Lennie, Isabel Blanco

Durata: h 2.00 Nazionalità: Spagna, 2011 Genere: drammatico

"La pelle che abito" è il titolo, tanto enfatico quanto eloquente, dell'ultima fatica Almodóvariana; un dramma al vetriolo di difficile analisi.

Distanti dalle lussureggianti tinte del passato, ci si ritrova di fronte ad un prodotto scuro, un thriller monocromatico delineato da meticolosità chirurgica. Con tagli netti e poco invasivi, il Regista imbocca lo spettatore a piccole dosi, proprio come ad una cena Slow Food. Statici tasselli di un ostico puzzle letti al rovescio, ma pronti ad essere scoperti senza pietà al momento più opportuno.

I personaggi crescono lentamente, in un inesorabile climax ascendente, attraversando un ripido rettilineo di complessi dolori ed ossessioni morbose che non lasciano alcuna via di fuga. Il riscatto carnale è un miraggio.

Il film è suddivisibile in due blocchi effettivi, inestricabilmente legati tra loro come in un grosso e marcio apparato neurale.

Il primo, suggellato da ritmi serrati ed avvizziti, è un incipit in medias res. Un presente gia compiuto che, per ovvi motivi narrativi, non ha necessità di delineare solidamente nulla. Si piomba in un'attualità in preda alla sua naturale evoluzione, scaturita da eventi a noi del tutto estranei, che si concede, seppur in brevissima parte, a deviazioni puramente grottesche. Questa prima sezione, probabilmente, farà dubitare i più a tal punto da chiedersi "..ma Pedro c'è o ci fa?". In realtà, tutto assumerà una raffinata, e tanto sperata, piega concitata una volta approdati al secondo blocco.

Alla quasi atemporalità dell'azione precedente, si contrappone il succedersi di flashback, prima, e flashforward, dopo, espedienti prevedibili, ma d'obbligo, che districano qualsiasi nodo rigurgitando in un lancinante colpo di scena la cruda verità, frutto di una psicologia contorta e deforme.

L'autodistruzione del corpo a livello molecolare.

Ottime le interpretazioni degli attori. Su tutti spicca Elena Anaya, prigioniera più di se stessa che di Banderas, la quale, controllata dai fili invisibili dell'abile marionettista Almodóvar, viene indirizzata verso quella che appare come una corrosiva sindrome di Stoccolma, limbo venefico e tortuosa strada per il raggiungimento di un finale spiazzante e quanto mai geniale.

Non del tutto convincente, invece (e me ne rammarico), il doppiaggio italiano.

Voto: 7½

Vik

And Then We Will Dream: "You"- Tuxedomoon

2011-09-24T21:51:00.000+02:00

You are the final kiss
You are the missing
You are the distant home of prisoners
You are the connecting cell
You are the secret room in the house of horror
You are the blue light of peace and loneliness
You are loveless saint
You are the scale by which I measure my own strength
You are the loveless saint
We are the lie which lives upon itself
We are all that we should be
We are the lie which lives upon itself
We are all that we should be

Lyric From A Poem By Ralph Saver

Ten Songs To...

2011-09-24T17:27:00.000+02:00

Beta Band - The House Song

King Crimson - Fallen Angel

Names - Calcutta

National - Mistaken For Strangers

Radiohead - Idioteque

David Sylvian - Some Kind Of Fool

Tuxedomoon - In A Manner Of Speaking

Tom Verlaine - Mary Marie

Robert Wyatt - Little Red Riding Hood Hit the Road

XTC - This World Over

The Catalogue: Great Lake Swimmers/ Lost Channels

2011-09-23T14:25:00.003+02:00

Lost Channel rappresenta il disco della maturità creativa dei canadesi Great Lake Swimmers, progetto artistico del songwriter Tony Dekker.

Per registrare Lost Channel, Dekker e compagni sono andati a monte del fiume San Lorenzo alle Thousands Islands, luogo situato tra Toronto e Montreal, presso il confine canadese- americano, a trarre fonte immaginativa da questa zona pittoresca, magica, silenziosa.

La musica di Great Lakes Swimmers è il risultato delle visioni e dei sogni generate da tali situazioni naturali.

La voce di Tony Dekker si erge su note folk dalle tinte pastello, in sontonia con i paesaggi immensamente evocativi che le ispirano.

Lost Channels è un'opera rigorosamente acustica, ricca di fascino nostalgico di tempi passati.

Tony Dekker si avvale in Lost Channels della collaborazione di Julie Fader, flauto e voce; Greg Millson, percussioni; Darcy Yates, basso; Erin Aurich, violino, Mike Olsen, cello; Paul Aucoin, vibrafono. Da ricordare la partecipazione di Serena Ryder, voce in “Everything Is Moving So Fast”e Bob Egan, pedal steel.

Una perla della corrente folk- acustica indipendente contemporanea.

Soley/ We Sink

2011-09-22T23:46:00.002+02:00

Ennesimo lavoro proveniente dalla terra d'Islanda.
Soley è una giovane songwriter già appartenente al gruppo, sempre islandese, Seabear, due album all'attivo.
Sóley Stefánsdóttir da vita, in questo disco d'esordio, a sei composizioni per voce e pianoforte ma anche a divagazioni espressive, tra tutte Theater Island, ricche di intrecci armonici; ballate pop in cui l'uso di archi,
chitarre e la presenza molto delicata di ritmi elettronici fanno di We Sink un'opera impressionista. Il suono è sempre accattivante ed il risultato finale crea un quadro vago ed irreale. Su tutto l'ammaliante ed onirica voce di Soley.
We Sink è un lavoro che colpisce per la semplicità armonica che lo caratterizza.
Incantevole e luminoso come un'aurora boreale.

The Catalogue - David Sylvian/ Everything and Nothing

2011-09-22T11:14:00.004+02:00

Everything and Nothing è una retrospettiva antologica pubblicata
come doppio Cd dalla Virgin nell'ottobre del 2000. Essa certamente contiene
i momenti più raffinati ed identificativi della musica di David Sylvian.

L'opera contiene alcune delle songs più espressive, affascinanti e coinvolgenti
degli ultimi decenni.

Musicalmente Everything and Nothing racchiude una gamma di suoni

ricca ed elegante in ogni sua sfumatura; notevole il fascino creato

dalla fusione tra spiritualità e culture orientali, tanto care al vocalist

e compositore inglese.

E' come se il tempo si fosse fermato, tanta è la freschezza armonica che
scaturisce da tale collage di ritmi e liriche molto suggestive. Ben tredici

tracce estrapolate da Aside e Bside di singoli, altre ancora rimissate e reincise.

David Sylvian sarà in tour a marzo del 2012,"Implausible Beauty
tour", che dovrebbe avere inizio in Italia, a Padova, per poi toccare

Milano, Roma, Bologna ed altre città europee..

Il programma definitivo del'Implausible Beauty 2012 tour sarà comunque
disponibile venerdì 23 settembre.

The Catalogue - Stars/ The Five Ghosts

2011-09-21T23:33:00.002+02:00

Montreal è una città dove in inverno gran parte della gente trascorre
molto tempo in casa, a riparo dal glaciale clima che la caratterizza,
bevendo vino rosso e cercando di riscaldare i propri cuori.
Alcuni trovano l'amore, altri lo perdono.
Altri ancora dormono soltanto, assaporando l'estasi di un ozio
inevitabilmente protratto nel tempo. Da Montreal provengono
gli Stars; un quartetto composto da Torquill Campbell, Evan Cranley,
Amy Millian e Chris Seligman.

The Five Ghosts è l'ultimo lavoro del gruppo canadese; anche in questo,
come nei precedenti albums, veniamo a contatto con un magico collage di suoni
elettronici ed acustici che impressionano per la loro delicatezza e perfezione.
Rimembranze di New Order, Style Council, Devine & Statton e di esperienze
attuali, Grandaddy, si mescolano tra loro rendendo possibile una
evoluzione di suoni dalle molteplici sfaccettature.

Wave elettronica romantica giocata sulla semplicità compositiva.
Ballate notturne, malinconiche ed eteree ricordano i migliori
Smiths di Morrissey. Gli Stars creano musica pervasa dal buon gusto,
indispensabile in questi anni caratterizzati dall'estremo cattivo gusto.

Gli Stars rappresentano artisticamente la propria idea di bellezza,
guardando, magari inconsapevolmente, al passato.

La loro musica è brillante e si adatta alle stagioni che viviamo;
essa è solare e crepuscolare allo stesso tempo.

Rainy Days Albums

2011-09-21T12:54:00.001+02:00

John Martyn - Solid Air

Bill Evans Trio - Sunday at the Village Vanguard

Jefferson Starship- Red Octopus

Nine Horses - Snow Borne Sorrow

Ben Watt - North Marine Drive

John Coltrane - Settin' the Peace

Okkervil River - Black Sheep Boy

Tom Waits - Blue Valentines

Porcupine Tree - The Sky Moves Sideways

Miles Davis - Ascenseur pour l'échefaud o.s.t.

The Catalogue - The Pineapple Thief

2011-09-20T17:10:00.001+02:00

Pineapple Thief è il progetto artistico dell'eclettico autore tedesco Bruce Soord. Con lui Jon Sykes, Keith Harrison, Wayne Higgins e Matt O'Leary. Musicalmente Bruce Soord esordisce, al fianco di Neil Randall, co Vulgar Unicorn, tre album all'attivo.

Ascoltando i dischi del gruppo, ormai britannico d'adozione, veniamo a contatto con un suono di chiara derivazione progressive, molto romantico e dai ritmi delicati ed eterogenei. L'appartenenza alla Cyclops, label indipendente britannica di prog rock, estremamente attiva nelle produzioni alternative, permette agevolmente di determinare la naturale collocazione della band. Variation On A Dream è certamente l'opera più matura dell'ensanble.

Percettibili sfumature portano alla mente Radiohead, Porcupine Tree o i Genesis di The Lamb Lies Down On Brodway. La musica dei Pineapple Thief passa da un estremo minimalismo ritmico ad avvolgenti armonie, oscure, malinconiche, ma sempre policrome e coinvolgenti, in continua evoluzione.

Eluvium: Musica Trascendente

2011-09-19T22:01:00.000+02:00

Eluvium è la creatura aristica dell'americano Matthew Cooper.
A differenza di molti compositori che si vuole fare appertenere
ad una omogenea scena musicale attuale, sia essa classificata
post-rock o ambient wave etc, Matthew Cooper segue una
linea compositiva minimalista giocata su toni estremamente
rarefatti e ammalianti.
"Copia" è certamente il lavoro più importante di Eluvium; esili note di uno
struggente pianoforte, fiati, archi, creano armonie eteree, quasi
impercettibili ed allo stesso tempo intense nella loro evoluzione.
Il giovane autore nordamericano da vita ad una efficace forma di
ambient wave elettronica decadente comunque non riconducibile
alle tante produzioni, in certi apsetti analoghe, molto comuni in questi anni.
Eluvium è pura arte, è il suono del crepuscolo, della natura e dello spirito.

Every Silver Lining Has A Clou

2011-09-19T10:51:00.001+02:00

Every Silver Lining Has A Clou raggiungono l'esordio discografico ufficiale
grazie a questo album pubblicato dalla Project di Sam Rosenthal.

Every Silver Lining Has A Clou è di fatto un duo francese composto da
Guillame Pintout e Cyrille Holodiuk.

La musica creata dai due artisti è molto delicata, intrecci di
chitarre e pianoforte generano atmosfere estremamente rarefatte;
se amate Mogway, Sigur Ros o Eluvium, Every Silver Lining Has
A Cloud è un dolce dono in sintonia con l'autunno in arrivo.

Musica per sognare quindi; dark wave romantica della migliore qualità,
dai colori cupi comunque motlo seducenti ed a volte intensi, tipici di una
notte tempestosa autunnale.

Un gioiello.

The Catalogue - Cibelle Cavalli

2011-09-18T18:02:00.000+02:00

Cibelle Cavalli, attrice e musicista, è uno dei talenti più eccitanti e
seducenti tra le nuove tendenze musicali brasiliane. Nata e formatasi a
São Paulo, metropoli ricca di fermenti artistici e culturali,
raggiunge discreta notorietà come vocalist dll'album São Paulo Confessions,
opera del produttore slavo, trapiantato in Brasile, Suba (1961-1999).
Gli intrecci stilistici che caratterizzano la sua musica danno vita ad armonie
delicate ed oniriche.
Una coesistenza di ritmi bossa nova, downtempo, samba-soul, jazz,
raffinati spunti elettronici e trame psichedeliche divinamente armonizzate con
melodie post rock, tipiche della migliore tradizione avangurdistica europea e
nordamericana, accompagnano la sua intensa e bellissima voce.
Las Venus Resort Palace Hotel, album pubblicato nel 2010 sempre dalla
Crammed Discs, è il suo ultimo lavoro.
Dopo lo splendido debutto del 2003 ed alcuni momenti non esaltanti,
The Shine of Dried Electric Leaves, l'eterea ed affascinante
polistrumentista brasiliana ritorna con un'opera estremamente godibile.
Cibelle è la nuova musica brasiliana nel mondo, tranne che in Brasile,
dove le sue intuizioni, evolute e sofisticate rispetto al limitato gusto popolare, la
rendono una artista cult.

Discografia

Cibelle- 2003

The Shine of Dried Electric Leaves- 2006

Las Vênus Resort Palace Hotel-2010

Adrian Borland No Cure For Pain

2011-09-17T18:33:00.002+02:00

Spesso, artisticamente, ciò che realmente ha un aspetto estetico non in sintonia con i gusti popolari in voga viene sottovalutato, anche se la sua natura è immensamente superiore alle espressioni circostanti. E' questo l'emblematico caso dei Sound di Adrian Borland.

La band britannica è appartenuta, cronologicamente, alla scena dark o post-punk, sono solo inconsistenti dettagli.

Borland ha sempre dato vita a liriche oscure, comunque pervase da un autentico simbolismo descrittivo.

The Sound è stato un quartetto formato da Borland, front man atipico distante dal look imperante nell'ambito musicale dark del tempo, Graham Green Bailey, Mike Dudley , Bob Marshall.

La musica è sempre attraversata da cenni drammatici; la disillusione e la fragilità spirituale di Borland sono, naturalmente, rintracciabili nell'intera attività dello stesso gruppo. I quattro musicisti hanno saputo confezionare opere oggi assolutamente attuali, rivalutate in modo adeguato.

Il tempo sembra essersi fermato. "Jeopardy" è l'labum di esordio; Thunder Up è tutto ciò che è stato, il manifesto ed il testamento di un poeta.

Il 26 aprile del 1999, Adrian Borland, poneva fine alla sua disperata esistenza, gettandosi sotto un treno alla stazione di Wimbledon, Londra; era un freddo lunedì mattina, e Adrian aveva trascorso i giorni precdenti in studio di registrazione.

La condizione spirituale era compromessa, non esistono cure, infatti, per il dolore dell'anima. Emotivamente erano sempre più intensi gli stati di assoluto esaurimento e depressione.

Adrian ha trovato il rimedio, definitvo.

The Catalogue - Tuxedomoon/ Bardo Hotel Soundtrack

2011-09-17T11:30:00.007+02:00

Ancora a lavoro Steven Brown, Blaine L. Reininger, Peter Principle e Luc Van Lieshout.

Un nuovo disco, un anno dopo Cabin in the Sky, realizzato per Made to Measure, la collana sperimentale e cult della Crammed Discs, label indipendente belga.

Un collage di Composizioni spontanee registrate a San Francisco- città nella quale i Tuxedomoon si formarono alla fine degli anni '70- nella primavera del 2005, come soundtrack del film Bardo Hotel, diretto da George Kakanakis, basato su una novella di Brion Gysin.

Il suono è quello tipico dei momenti felici dell'ensamble californiano. Sembra di tornare indietro nel tempo e rivivere le magiche e misteriose atmosfere di Ghost Sonata e di Divine.

Bardo Hotel è un disco, rigorosamente strumentale, di musica surreale, sospesa nei meandri dell'oscurità tipica delle notti delle metropoli americane; un Road Movie della mente.

Arrangiamenti minimali fanno da sottofondo ad una fusione di jazz, elettronica, blues urbano e world music.

Musica per i nostri cuori, lontana da generiche classificazioni.

Girls/ Father, Son, Holy Ghost

2011-09-17T10:43:00.002+02:00

Finalmente un album eccitante dal mercato indipendente.
Autori i californiani Girls, San Francisco.

The Girls danno vita,dopo l'estremamente felice esordio avvenuto con
l'opera "Album", a questo eccellente e vigoroso "Father, Son, Holy Ghost".

Echi molteplici caratterizzano il loro suono naif; liriche malinconiche si
inseriscono in un contesto molto evocativo che aiuta a percepire rimembranze
di un tempo passato.

Father, " Son, Holy Ghost" è una opera molto preziosa nata all'insegna
di un assoluto buon gusto estetico; musica bellissima che certamente
trae spunti da riferimenti musicali passati, ma guardare indietro negli
anni e rivisitare tendenze espressive di tempi non attuali non è un male;
se poi il risultato finale è così magicamente intenso come quello
raggiunto in Father, Son, Holy Ghost, beh non possiamo che
essere ampiamente felici.

St. Vincent/ Strange Mercy

2011-09-16T17:03:00.002+02:00

St. Vincent è lo stage name scelto da Annie Clarck, songwriter nordamericana,
per la propia attività creativa e concertistica.
Di fatto è una ossequia al Saint Vincent's Catholic Medical Cnter, "luogo",
afferma la giovanissima polistrumentista, "dove i poeti decidono di andare
a morire".

La ventottenne compositrice, già allieva della Berkleee School Of Music di
Boston, ha tre interessanti lavori all'attivo, il più recente dei quali,
Strange Mercy, è stato pubblicato dalla londinese 4AD proprio oggi.

Annie Clark ha aperto live performances di musicisti quali Television,
Grizzly Bear, Aecade Fire etc.

Vanta allo stesso tempo la presenza nella live band voluta da Sufjan
Stevens nell'ultimo suo Tour del 2006.

La sua musica è assolutamente in linea con le attuali tendenze espressive;
probabili spunti ispirativi certo David Bowie, Kate Bush etc.

Certamente una architettuttura sonora molto comune in questi anni.

Non proprio originale.

Discografia

Marry Me 2007
Actor 2009
Strange Mercy 2011

Album da ricordare

2011-09-15T18:42:00.001+02:00

AA.VV/ Cherry Red 8 Cd Box set- 2011

Miles Davis/ Doo-Bop- 1992

Anna Domino/ Mysteries of America- 1988

Brian Eno-David Byrne/ My Life In The Bush Of Ghosts- 1981

Good Speed You Black Emperor/ Lift Your Skinny Likes Antennas To Heaven- 2000

Mogway/ Mr Beast- 2006

The National/ Boxer- 2007

Radiohead/ In Rainbow- 2007

Radohead/ Amnesiac- 2001

Sigur Ros/ ()- 2002

Cinematic Orchestra

2011-09-15T17:51:00.003+02:00

Cinematic Orchestra è un eclettico ensamble britannico nato alla fine
degli anni'90 dalle originali visioni artistiche dello scozzese Jason
Swinscoe, responsabile in quel tempo della label Ninja Tune.

La line-up è composta, oltre che dallo stesso Swinscoe, da Luke Flowers,
Tom Chant, Nick Ramm, Stewart Mc Callum e Phil France.

Loro debutto con l'album Motion, acclamata opera prima molto
originale ed attraente.

Estremamente raffinate le live performances della band.
La struttura compositiva è caratterizzata da una tenue
fusione di jazz, elettronica ed ambient.

Gusto estetico notevole.

Ma Fleur è un' opera intensamente pervasa da ritmi
elettroacustici e soffici spunti free jazz.

Liriche mistiche e leggiadre. Il disegno artistico finale
tocca gli apici di una rara bellezza comunicativa.

Alessandra Celletti Intervista

2011-09-15T08:53:00.002+02:00

Alessandra Celletti, pianista e compositrice italiana, grazie alla sua naturale
capacità di dare vita a trame sonore di notevole spessore espressivo, merita,
oggettivamente, di figurare tra le più esaltanti concretizzazioni di un
ipotetico concetto di arte contemporanea.
La magia dei suoni lascia trasparire il piacere della composizione, oltre che
quello della ricerca, caratteristica molto rara nella musica
tendenzialmente colta; il risultato finale è una perfetta e superba fusione e
coesistenza di classicità e modernità. La Celletti dona, con grazia intensamente
sorprendente, momenti romantico-decadenti dal fascino di affreschi letterari.
Note demiurgicamente concepite propongono riflessioni e suggestioni di natura
mittleuropea. Musica senza confini la sua, limpida, delicata ed onirica.
Attratti inesorabilmente da siffatta perfezione stilistica, abbiamo desiderato
porle alcune domande; di seguito il risultato della nostra conversazione.

Se dovessi presentarti sinteticamente… parla un po di te.
Sono una persona complessa, come tutti gli esseri umani, ma mi
interessa la semplicità e la mia ricerca va in quella direzione,
sia dal punto di vista umano che musicale. Ho un carattere allegro
e la mattina non vedo l’ora di svegliarmi per cominciare a vivere       l
a mia giornata fatta di suoni e di colori. Ma a volte ho dovuto
faticare per non soffocare questa natura giocosa. Sono sempre stata
curiosa e sono attratta dalle cose nuove. Non mi piacciono i musei
e al passato preferisco il futuro.

Musicalmente cosa ti piace ascoltare; pensi che la tua opera tragga
spunto da determinati movimenti espressivi.
Nell’ascoltare musica non faccio distinzione di generi. Mi piace la
musica antica e l’avanguardia, la musica da camera di Brahms e
Ravel, il rock, il pop e ho un’amore per il punk… Penso che nel mio
cuore musicale c’è un miscuglio molto divertente e originale.
Sicuramente sono stata influenzata dalla corrente minimalista, ma
l’autore che sento più vicino, quello che mi ha sempre tenuta per
mano, è sicuramente Erik Satie.
Storicamente viviamo tempi estremamente difficili; l’interesse,
specialmente dei più giovani, verso i problemi reali del mondo,
fame, povertà, squilibri sociali, guerre etc., è quasi assente;
come se quello che accade non ci toccasse. Tu come vivi questa
situazione che definirei di “egoismo generalizzato”; la tua musica
è influenzata da quello che ti circonda o lasci prevalere il lato
introspettivo e le suggestioni del tuo cuore.
Istintivamente direi che lascio prevalere il lato introspettivo…ma
forse non è così. Quello che ci circonda non può lasciarci
indifferenti anche se a volte non ce ne accorgiamo. Penso che nella
mia musica, e forse succede così in ogni creazione artistica, si
mischia quello che sono con quello che succede fuori… E’ vero,
ci sono molti problemi nel mondo, e siamo bombardati da
messaggi che suggeriscono l’egoismo, ma a me risulta che
soprattutto i giovani     continuano ad avere un cuore “pulito”
e generoso.
Sono in contatto     con molte persone che stanno combattendo
in prima persona per un mondo più equilibrato e senza prevaricazioni.
L’ultima iniziativa importante è quella promossa da Greg Lake,
mitico cantante degli Emerson, Lake & Palmer, che sta facendo
una personale battaglia per salvare gli animali che vivono alle Seichell,
che sono lasciati morire di fame o addirittura torturati…
Ci sono tante cose che non sappiamo… Ma ognuno di noi
può fare molto e la consapevolezza è già un primo passo importante.

Cosa pensi di internet in relazione alla musica; aiuta la musica
soltanto da un punto di vista promozionale?
Per me Internet è la più grande invenzione del periodo moderno.
Questa possibilità di comunicare è fantastica… Non è solo una
questione promozionale, è proprio un fatto di scambio, di
condivisione.
Nel mio caso personale ad esempio, grazie alla mia
paginetta di myspace sono entrata in contatto con James Nice,
dell’ etichetta britannica LTM, che ha prodotto il mio ultimo CD,
Way Out e con tantissimi musicisti con cui sto
collaborando, tra cui il mitico Joachim Roedelius, pioniere della musica
elettronica tedesca una persona fantastica. E poi, a partire dalla musica,
ho creato veri e propri rapporti di amicizia.

I Nuovi Bohemien: Sufjan Stevens

2011-09-15T00:26:00.000+02:00

La East Coast statunitense è, in questi anni, ritornata ad essere quell’ideale luogo di incontro e propagazione dei più innovativi fermenti culturali dei nostri tempi. Sufjan Stevens è un moderno menestrello folk metropolitano. E' originario di Detroit, Michigan, ma newyorkese di adozione; e proprio del microcosmo artistico e bohemien della grande mela è una figura emblematica. La sua musica è estremamente delicata, quasi sospesa , animata da ritmi esili ed onirici. Stilisticamente potremmo dire, magari azzardando, di avere a che fare con una sorta di folk urbano psichedelico, un Neil Young del XXI secolo. Ma, in questo caso, cercare di trovare necessariamente delle identificazioni potrebbe risultare fuorviante. L'estroso songwriter nordamericano è creatore di un personalissimo stile variopinto che abbraccia tanto la tradizione quanto le nuove correnti contemporanee dell’elettronica. Estremamente originale la coesistenza di diversi strumenti sonicamente e fisicamente differenti tra loro, come piano, chitarra e banjo. Una magica fusione che crea un fantasmagorico processo di scoperta e di sorprese. Suoni essenziali danno vita ad una ricca gamma di emozioni che riescono ad ipnotizzarci con melodie ammalianti che trascendono gli aspetti materiali della realtà circostante. Seven Swans è il disco meno sperimentale e più acustico, ed il primo, tra i suoi lavori, per cui Sufjan si è avvalso di un produttore, ossia quel Daniel Smith che è anche titolare dell’etichetta Sounds Famylire, nonché leader della band Danielson Famile. Il respiro antico del folk si stempera morbidamente con certo gospel psichedelico, generando soavi immagini dalle tinte pastello. Su tutto si erge una mistica ed intima voce. Ogni canzone è una storia a se, fatta di molto banjo e molta voce, la sua materia prediletta, ma anche di pianoforte e tastiere elettroniche. Se non il più bello, Seven Swans, è sicuramente il suo lavoro più maturo e compiuto. Definitivamente una promessa sempre più mantenuta, che tuttavia fa pensare di doversi ancora materializzare completamente.

Discografia Sufjan Stevens

A Sun Came- 1999

Enjoy Your Rabbit- 2001

Greetings From Michigan, The Great Lake State- 2003

Seven Swans- 2004

Illinois - Sufjan Stevens Invites You To: Come On Feel The Illinoise-2005

Playlist Tendenziale Settembre

2011-09-14T16:36:00.002+02:00

Bel Canto/ birds of passage

Jonsi/ go

Karate/ Unsolved

Flaming Lips/ Yoshimi Battles The Pink Robots

P. J. Harvey/ White Chalk

XTC/ English Settlement

Mogway/ Young Team

Modern English/ After the Snow

Radiohead/ In Rainbows

Tortoise/ Millions Now Living Will Never Die

AA.VV The Cherry Red Records 8cd box edition

2011-09-14T13:26:00.000+02:00

La Cherry Red, etichetta indipendente londinese, ha pubblicato
recentemente, in edizione limitata, I'll Give You my Heart. Si
tratta di un cofanetto contenente 8cd con booklet esplicativo
dalla grafica e dai dettagli molto completi.
Tra i tanti artisti presenti Ben Watt, Tracey Thorn, Marine
Girls, Robert Wyatt, Dead Kennedys, Eyeless in Gaza etc.

Devics Interview

2011-09-14T12:24:00.001+02:00

Quando si riescono a superare gli sterili confini di un genere, andando oltre le barriere che limitano stili e correnti, si è in grado di dare vita ad opere che lasciano trasparire il piacere della composizione oltre che quello, rigoroso e spesso monotono, della ricerca. I Devics, band californiana composta dalla vocalist Sara Lov e dal polistrumentista Dustin O’ Halloran, raggiungono naturalmente questo risultato. Push the Heart è il nuovo loro album, pubblicato a tre anni di distanza dallo splendido The Stars at Saint Andrea. I due artisti americani frequentano spesso l’Italia. Le influenze della cultura europea sono abbondantemente percepibili nella loro musica. Stilisticamente non è semplice trovare punti di riferimento per descrivere le loro creazioni; a volte è percepibile una somiglianza con gli ultimi Cocteau Twins o con il lato più romantico di David Sylvian . Il suono è sempre delicato ed ammaliante. La voce di Sara Lov, così intensa e magnetica, riesce ad attraversare l’anima e raggiungere i nostri cuori. I colori della loro musica sono quelli tipici del crepuscolo e delle stagioni autunnali. L’eleganza espressiva che scaturisce già ad un primo ascolto di Push the Heart è sorprendente quanto esaltante. Incontro Sara Lov e Dustin O’Halloran per cercare di conoscere la natura di siffatta bontà creativa; la semplicità dei due è una delle tante pregevoli qualità che permettono un tale successo. Ditemi qualcosa dei Devics; se doveste presentarvi a chi non vi conosce…”Per lo più siamo Io e Dustin, ma anche, alcune volte, si uniscono a noi Ed Maxwell, Ted Liscinski, Scott McPherson, Michael Jerome ed altri ancora. Io e Dustin ci siamo incontrati nel 1991 all’Università in un corso di arte. Abbiamo cominciato a fare musica insieme con la nostra propria Label, la Splinter Records, realizzando il nostro primo cd/demo, nel 1996. Nel 2001 è stato pubblicato dalla Bella Union l’album My beautiful sinking ship . Sempre attraverso la label Bella Union abbiamo proposto la nostra musica in Europa, firmando invece con la Filter US recordings per gli USA.” Risiedete spesso in Europa? “ Ci siamo trasferiti in Italia nel 2001, programmando di restarci per un anno. Io ci sono rimasta per due anni, mentre Dustin vive ancora in Italia. Ho ancora la mia casa in Italia, dove trascorro sei mesi all’anno; dipende anche da quello che andremo a fare.” Che differenze percepite,artisticamente e culturalmente, tra le tendenze espressive europee e quelle nord americane. “ Io penso che le persone sono sempre uguali indipendentemente dal luogo di residenza, e comunque non ho una ampia visione di differenze culturali, perché ho realizzato di aver incontrato sempre lo stesso tipo di gente, in qualsiasi posto sia andata”. Trovate un pubblico più attento al vostro lavoro in Europa o Nord America? “Penso che in Europa il pubblico è molto migliore, anche se in alcune parti degli Usa è buono”. E' stata, giustamente, rivalutata gran parte della musica che ha caratterizzato gli anni 80 e 90. Voi cosa ne pensate. Siete stati influenzati da qualche nome o movimento in particolare di quegli anni?. “ Quello era il tempo in cui scorpivo la musica. Tutto per me è cominciato con Cocteau Twins, Smiths e Billie Holiday, che, anche se molto più vecchia, ho scoperto in quegli anni; ma anche Nick Cave, Tom Waits, Pixies, Pj Harvey e tanti, tanti altri ancora , troppi da scrivere qui”. Come Devics, o anche come solisti, avete progetti? “ Si. Presto, quando avremo del tempo, cominceremo a lavorare ad un altro album, ma ci potrebbe volere un po’. Dustin sta per realizzare il suo secondo album di piano solo; tre brani di questo disco faranno parte della colonna sonora del film di Sofia Coppola, Maria Antonietta. Io sto anche per pubblicare un disco da solista per cui avevo cominciato a lavorare, ma i Devics hanno preso gran parte del mio tempo, non lasciandomi spazio per completarlo”. I devics disegnano egregiamente il nuovo volto del pop colto attuale. La loro è la musica del nostro tempo.

Hammock

2011-09-14T12:14:00.000+02:00

Hammock è un duo composto da Marc Byrd e Andrew Thompson che ha origine in
Nashville, Tennessee.
Facile catalogare la musica estremamente eterea che caratterizza i loro lavori;
è spontaneo classificarli come appartenenti a quella corrente artistica
nata con band come Mogway, Tortoise etc.
Noi per semplicità preferiamo identificarli come autori di un pop etereo dalle
atmosfere ambient.
In più o meno due anni di attività i due musicisti hanno dato vita a diversi
lavori che non si distaccano da tale architettura sonora.

AA.VV/ A Factory Quartet

2011-07-29T10:19:00.000+02:00

Durutti Column, Royal Family and the Poor, Blur e Kevin Hewick sono
i protagonisti di questa indimenticaile opera della storica e sempre attuale
Factory Records.
Sarà pubblicata tra poco, comunque settembre, dall'indipendente britannica LTM,
la ristampa su cd.